吉他調音范文

導語：如何才能寫好一篇吉他調音，這就需要搜集整理更多的資料和文獻，歡迎閱讀由公務員之家整理的十篇范文，供你借鑒。

篇1

初學者用簡單的六音笛法調音，其六個音與吉他的六根弦在音高和排列上都是一一對應的，所以使得調音十分簡單，只要吹響一個笛音，記住其音高，調整相應弦的音高與其相同即可。據此調完六根弦。

吉他的祖先，可以追溯到公元前兩三千年前古埃及的耐法爾，古巴比倫和古波斯的各種古彈撥樂器。考古學家找到的最古老的類似現代吉他的樂器，是公元前1400年前生活在小亞細亞和敘利亞北部的古赫梯人城門遺址上的“赫梯吉他”。8字型內彎的琴體決定了吉他屬樂器特有的聲音共鳴和樂器特點，這也成為吉他與其它彈撥樂器的最顯著特點。

（來源：文章屋網 ）

篇2

小虎子就應了這句話。平時活蹦亂跳，可今天上午“文靜”了，面紅、流涕、咳嗽，奶奶一看就知道孩子病了，忙帶到衛生所去量體溫――38度，醫生說是“上呼吸道感染”。給他打了一針退燒針，拿了幾片感冒通就回來了。

第二天，虎子仍高熱、呼吸急促，媽媽帶他去兒童醫院，醫生聽診發現肺內有“羅音”，便以“小兒肺炎”留院觀察治療。當天晚上高熱40度。皮膚上出現了斑斑點點的出血斑，夜班醫生懷疑肺炎并發了敗血癥，用上了廣譜抗菌素。

天還沒亮，虎子抽搐了一次，神志不清了。主任查房時，發現孩子頸項強硬。立即做了腰穿，抽出乳白色腦脊液，鏡檢查到了腦膜炎雙球菌，達才做出最后診斷：“流行性腦脊髓膜炎”。遂轉傳染病房治療。經過醫護人員的積極搶救，總算挽救了生命?？蓹C靈乖巧的小虎子變得有些呆傻了，實在令人遺憾!

這可恨的流行性腦脊髓膜炎(下簡稱流腦)為什么容易誤診呢?

主要的原因是“流腦”有一套騙人的“三級跳”把戲，容易把人引入迷途。也就是說，腦膜炎雙球菌侵入人體引起“腦脊髓膜炎”并不是一步到位的。它要分三步走，每一步都會引起不同的癥狀，以致造成人們的錯誤判斷，而它就在人們的疑惑中，節節升級，直逼病人的中樞腦髓。當你恍然大悟時，病情已難以處理，還會留下后遺癥。因此，對其“三級跳”的鬼把戲，人人都應熟知。

第一級，細菌侵犯上呼吸道：腦膜炎雙球菌主要通過呼吸道傳染，早期侵入咽、喉、氣管的粘膜組織，引起這些部位的急性炎癥，表現出來的癥狀是咽癢、喉痛、發熱、流涕、咳嗽，這時最易被誤診為傷風、感冒、上呼吸道感染，而不為人們所重視，錯過了早治的時機。

第二級，敗血癥期：細菌經呼吸道入血，并在血循環中大量繁殖，引起全身癥狀：高熱、頭痛、全身不適、皮膚出血，最、瘀斑，甚至虛脫、休克、播散性血管內凝血(DIC)、腎上腺皮質功能衰竭(華菲氏征)等。這時最易誤診為全身感染、敗血癥。

第三級，侵犯腦髓：細菌進入顱腦和脊髓，在腦脊液中生長繁殖，引起化膿性腦脊髓膜炎，此時才表現出頭痛、嘔吐、頸項強直、囟門膨出、視水腫、抽搐、驚厥、昏迷等一系列神經系統的特殊癥狀，多數人這時才考慮診斷流腦，但為時已晚。

那么，如何早期診斷流腦呢?應掌握以下幾個要領：

1了流行季節：1～5月份，3月為高峰，

2了易感人群：6個月至2歲者發病最多，但偏僻地區，發病年齡后移，可至4～5歲；

3了核心癥狀是高熱，自始至終不易退燒；

4了注意觀察皮膚出血點及瘀斑；

篇3

一、我國音樂素質教育中存在的問題    

由于我國的教育體制是應試教育，所以在中小學時對學生的考核卞要是以考試為卞，學生偏科現象比較嚴重，音樂素質教育地位低下。很多學校為了提高升學率，基本取消了音樂相關課程，即使留有音樂課程，也因學校領導、教師和學生的應試思想效果不好。我國日前的情況是很多小學初中學生在學習階段沒有接受過完整的音樂素質教育，不識樂譜、rr-}J奏感不強、音準不佳等現象非常普遍。如何解決這一問題昵?如何提高學生的音樂素養昵?經過音樂研究人的多年研究得出的結論是，吉他教學可以提前學生的音樂素養。因為吉他是樂中之王，音律節奏感強，可以充分表現出表演者的情感，另外吉他比較輕便，方便攜帶，又可以獨奏、伴奏、合奏，可以提高學生音樂素質。    

二、吉他教學在音樂素質教育中的作用    

1吉他教學可以使學生更準確地了解音準知識    

每一種樂器在使用前都要進行調音試用，吉他是六弦樂器，如果只是使用定音器對其調音是不夠的，調音的過程卞要是靠調音者的靈敏聽力。吉他教學的第一步是先讓學習者了解調音的程序，讓學習者認識每一根弦的音名和唱名。音調定音器一定要確定為第一根弦，這樣才能保證之后的調音正確，第一根弦是調音的重點。調音進行時，需要學習者反復進行念唱，當其有了充分的精準音高后，再讓學習者進行變念唱，直到音準為上。第一步是教會學生用t1調唱出B音，也是反復念唱，直到調整好第_根弦為l。對于已經掌握調音要領的學習者，可以讓其自行彈奏以溫習知識，講授者可以在旁邊看和聽，通過判斷學習者的掌握程度來對其進行指導。正常情況是2個月左右學習者自己都可以準確調音，進而提高音準，加強音樂辨別能力。    

2吉他教學可以使學生領悟音樂的魅力    

現代社會有很多優秀的人在吉他彈奏方而有先天的優勢，而且可以完關地彈奏和表演，但是在實際教學中，有些完關的表演是無法用理論知識和專業語言進行傳達的。換言之，一些吉他優秀表演者未必真正掌握吉他演奏要領。所以在吉他學者中要想提高學生的音樂素養，就需要先讓學生掌握基礎的樂理知識。第一步，可以通過眼睛的體驗來傳達，因為吉他指板上的琴格可以讓學習者實際體驗到音程，相差一個琴格為半音，相關兩個琴格為全音等。第_步，學習者在掌握音程后自己去體會吉他的內在本質，并去觀察和計算，有大概了解后開始彈奏。在學和練的基礎上，學習者可以快速掌握樂理知識要領。    

3吉他教學可以提高學生的節奏感      

節奏感是音樂表演的支柱，練習節奏感時是要保證擺的穩定和均勻，如果在音樂表演中竹奏感不好，那么演奏就像要散架的建筑物一樣沒有任何意義可言。吉他教學中可以讓學習者認識日常和常用的拍子的竹奏，如3 /4拍竹奏，2/4拍竹奏等，之后讓學習者自己進行竹奏打拍練習，最后讓其在吉他上進行按鍵練習。    

4吉他教學可以提高學生的和聲    

吉他演奏卞要是右手為卞，左手負責各種和弦按法。在吉他演奏中讓學生了解和弦的種類，如柱式和弦和分解和弦等，這樣可以強調伴奏的背景，用和聲伴奏襯托卞體演奏，使卞體演奏在深度、)‘一度上真正滿足人們的要求。特別是和弦連接對演奏是非常有用的，如I一V一I;I-N- V一I;I一VI- N- II一V一I等常用的和弦可以讓學習者對和聲有一個整體感官’認識，對提高音樂鑒賞力有一定的幫助。    

5吉他教學可以提高學生的綜合表演水平    

篇4

1、自己可以學吉他的，方法如下：選擇一把吉他。吉他不要求太好，因為畢竟是練手。選擇吉他調音器。由于對于吉他新手來說，對音掌握不準，往往吉他弦音都調不正。有了吉他調音器之后，這些問題都可以得到解決。選擇吉他教程和吉他教學視頻?？梢蕴暨x一本吉他新手教程，然后從網上下載相關的教學視頻。接下來就是自己慢慢的練習了。注意要下載適合自己的教學視頻。

2、每天堅持的練習。每天堅持按視頻上的教學，一步步的練習。從握琴到看譜圖一步步操作。筆者認為，只要每天堅持2小時，一個星期就可以完成簡單的彈唱了。找個吉他愛好者，一起學習。找個喜歡吉他的朋友很關鍵。畢竟是自學，在平常的練習過程中，難免會覺得很枯燥。

（來源：文章屋網 ）

篇5

吉他3弦到g可以使用調音器。這樣調比較準確而且非常方便快捷。

吉他（英語：Guitar），又譯為結他或吉它。是一種樂器，屬于彈撥樂器，通常有六條弦，形狀與提琴相似。吉他在流行音樂、搖滾音樂、藍調、民歌、費拉門戈中，常被視為主要樂器。而在古典音樂的領域里，吉他常以獨奏或二重奏的型式演出

（來源：文章屋網 ）

篇6

103A數字環繞聲監聽音箱，以及通話系統。用DM2000作為備臺。還配備了兩個遠程舞臺接口箱，分別用雙光纖做主備傳輸。建成后，該車在北京奧運會上就被作用為體操等項目的主要聲音制作平臺，并在我臺大型節目直播中發揮重要作用。

對于電視節目制作而言，錄音車是整個系統的核心之一，需要配合視頻高清車才能完成節目制作，因此涉及到視音頻兩車的級聯，兩車級聯包括視頻信號/音頻信號/通話信號/UMD控制等信號的級聯，音頻信號采用光纖TDM格式連接（包含雙向128軌音頻和控制）。因為有錄音車，所以我臺的視頻高清車上的音頻系統是基于YAMAHA DM2000為主調音臺的緊湊型系統。像金鷹節或大型晚會直播時，音頻都用音頻車來完成節目制作的一級調音，視頻車上的音頻系統負責節目播出的音頻信號調度和分配等完成二級調音。經過幾年的節目制作和使用，我們總結了一些錄音工作經驗，對于音樂錄音來講，從話筒選取布置以及中間處理設備的應用到最終縮混，整個流程中每一步都非常重要，因為沒有統一的標準，所以每個人根據自己的理解和經驗制作出來的節目會有各種不同的風格，有經驗的錄音師總是會有他自己的一套成熟技術（或經驗）和理念，錄制出屬于自己風格的作品。

1、節目錄制前的準備工作。

錄音的準備工作從話筒選取開始，沒有一支“全能”話筒能夠適合拾取鋼琴、底鼓或吉他放大器在內的多種樂器，因為不同樂器有不同頻譜，同樣不同話筒在每段頻譜內表現也不同，因此選擇一支適合樂器的話筒很重要，基本原則是話筒的頻響必須涵蓋所拾取樂器發聲頻譜范圍（中高頻樂器注意諧波分量的頻譜），當然話筒本身音色是否適合被拾取樂器音色的“感性指標”也很重要，同時還要注意話筒的最大聲壓級不能低于樂器發聲聲壓，尤其是有些鼓錄音時，話筒靠的比較近，注意話筒最大聲的承受力（通常容易被忽視），避免信號在前段就開始失真，否則你后面怎么調都無濟于事。大多數的電容話筒有很寬的頻率響應，能重現30赫茲到2萬赫茲以上的音域，所以電容話筒拾取镲片或對聲音細節要求高的樂器，例如原聲吉他、弦樂器、鋼琴、三角鐵和獨唱人聲等較為適合，動圈話筒靈敏度、頻響等相對電容話筒來講稍低一些，但對于鼓類、電吉他、圓號和木管樂器等來說頻響足夠。另外，話筒的指向性選擇也非常重要，通常心性指向話筒具有近距效應，靠近鼓錄音可以獲得良好地豐滿度，同時心型指向能有效抑制泄漏聲和環境聲地拾取，反之用全向話筒能拾取一些環境聲，可以在聽感上創造自然混響的空間感（有良好建聲的棚），也可通過適當調整全向話筒與樂器的距離調整樂器遠近的聽感。

話筒的布置：把話筒放在距離樂器有一定的距離（30到50厘米）的位置上，再把話筒往上下左右方向移動，能拾取到不同的音質，比如小號拾取時，你把話筒對著小號拾取時聲音非常亮甚至刺耳。當把話筒放在小號偏離軸線一邊的位置上時，小號聲音聽起來較為自然柔和，因此要將話筒放在樂器不同位置拾音然后監聽效果，直至找到一個你認為是最佳的聲音位置，形成一種自己的拾音經驗。話筒擺放沒有一種絕對正確的方法，只要把話筒放在你認為取得最佳聲音平衡的位置上即可。當有多支話筒一并應用時，注意話筒之間的距離，通常按3:1的經驗值（即話筒之間的距離大于話筒與樂器之間距離的3倍）。這樣防止相位抵消現象發生，以免造成聲音聽起來不自然。在流行音樂錄音時，幾乎每個聲部甚至每件樂器多用一個話筒去錄，事實上話筒增加越多，調整起來越麻煩，不見得錄音質量一定就高。通常能用一只話筒能做到的就不用兩只話筒，有時只用一只話筒就能拾取兩個或兩個以上的聲源，比如用一個話筒拾取4件銅管樂聲部，或者兩位唱和聲的演員用一只話筒等（當然這時需要演唱者自己平衡聲音大小）?？偟膩碚f，話筒選擇在很大程度上取決于個人喜好。無論采取何種方式，只要特定聲音、樂器、樂手和歌曲能達到優質音效就好。同樣，也沒有完美的話筒放置方式，也并不存在適合所有樂器的理想話筒。按你的想法選擇和放置話筒，只要達到期望的音質即可。

2、處理設備的應用。

作為音頻車，車上配備了5.1的監聽音箱和聲學處理的監聽環境，同時配置了TC REVERB6000混響器，48軌多軌記錄設備，當然還有支持5.1聲道制作的數字調音臺以及5.1聲道的套裝話筒，大型數字調音臺處理通道在信號頻率處理部分包含高低通濾波，2段架勢均衡及4段全頻參量均衡，在信號幅度處理上有壓縮，噪聲門以及限幅器等，因此對錄音處理來講非常方便，用調音臺錄音設置起來遠比工作站直觀方便很多。

①、均衡器的應用。在使用均衡器之前，先將話筒做一些更換或變更話筒擺放位置，來監聽其結果是否能達到你的要求，如果改變位置可以做到，那么遠比使用均衡器修飾出來的音色更原汁原味的多。許多追求自然聲音的錄音師多避免使用均衡器，他們討厭由于均衡介入而產生過多的相移和鐘鈴效應，因此通常他們會極為細致的調整話筒擺放，或使用高質量的話筒，盡量避免使用均衡器來獲得聲音平衡。但電視錄音通常不像棚里那樣先做平直錄音，然后縮混期間再細致調整，而是排列時須快速調整均衡到位，這很考驗音控人員的技術水平和錄音經驗，主持人等人聲話筒為了獲得清晰的語言聲音，我們通常會快速增加低切，比如80到140赫茲做6到12倍頻程的衰減，如果有樂隊，先給通通鼓做80到100赫提升以獲得豐滿鼓聲為止，軍鼓在200赫茲時，根據聽音做增加或減少來調整肥厚聽感，底鼓可適當提升60到80赫茲部分，衰減300到600部分（中等Q值），镲片可適當提升12千赫的聲音，衰減500赫茲以下（可用高通）聲音，防止鼓聲泄漏，低音吉他則在250赫茲附近做些衰減。通常我們還會碰到三角鋼琴，尤其在現場吵雜的環境聲中錄音時，可打開鋼琴蓋板，用兩只心型或全向電容話筒分別置于低音琴弦中心部位和高音琴弦中心部位，距離琴弦上方20到30厘米處錄制。

②、動態處理器的應用。動態處理用的最多的是壓縮，壓縮能使人聲和樂器聲電平保持穩定，使對整段混音音量更方便趨于平衡，防止大音量時的削波，同時也能用于給鼓錄音時使鼓聲更加豐滿，或增強低音吉他的余音，如果壓縮啟動門限值控制的高一些，則可以消除過于大的無用信號，門限值設置過小會影響聲音的動態。尤其給人聲加壓縮時，有經驗的歌手往往懂得根據自己演唱的音量或聲部而適當調整話筒與嘴之間的距離，從而控制音量，這要比使用壓縮或限幅器好聽的多，歌手壓縮比一般為2:1或3:1，快速起控，1秒左右恢復時間，貝斯和鼓組壓縮比為4:1，慢起控慢恢復，電吉他壓縮比較大，4:1或更大，400毫秒左右短恢復時間，當有低切用于壓縮通道時，應該先進行低切處理，以免過多低頻過早啟動壓縮，而提升某些頻率時，需要先經行壓縮處理，以免所提升頻點被壓縮。限幅器可以把信號在超過某一預置電平時，可以保持它信號不再隨輸入而增加，因此限幅器僅僅處理大信號部分，通常用于保護后級擴聲設備，或在母帶處理時防止個別信號過大，造成飽和錄音。噪聲門是在當信號小于某個預置值時，可以降低增益，這個比限幅還有用，噪聲門通?？梢杂脕硐念惵曑壷g的泄露聲，因而使鼓類的聲軌變得干凈，尤其可以做側鏈應用，比如調整低音吉它軌噪聲門，受控于底鼓聲軌的信號，那么低音吉他將會受控于底鼓的節奏而工作，使底鼓聲音更加突出，還有一種就“門混響”的應用，在下面混響器應用中介紹。

③、混響器的應用。混響效果是把直達聲中增加環境或空間感，TC REVERB6000包含了延時、回聲、混響、合唱、鑲邊等多種音樂與電影等模式混響。內含8個通道的混響引擎，可以同時工作在不同混響參數模式下，因此也可以根據不同音源進行混響疊加。各種混響器需要聆聽對比，以便在你想要的樂器上產生預期的效果。上面提到的門混響應用不同于常規，比如在鼓通道上用插入的方法連接混響器，設置一個板混響，再打開噪聲門設置快啟動時間，慢釋放時間，調整預值到適合的鼓電平（更加現場聽感調整域值），這樣給鼓聲增加的混響器受控于噪聲門，當鼓聲啟后立刻有混響的空間感，但隨鼓聲的回落，噪聲門會適當的控制關閉時間，增加鼓的空間效果感和密集感。

3、縮混?，F在縮混可以利用調音臺的AUTOMAT

篇7

藍調,英文名為?Blues, 按英文音譯為布魯斯;按意譯為藍調或怨曲。藍調音樂是由美國黑人所創造,它所表達的是一種憂郁、悲傷和痛苦的情緒和精神狀態。從藍調音樂的萌芽、誕生和演變過程中可以投射出美國黑人坎坷辛酸的命運史。

1 藍調的萌芽時期――來自奴隸們的痛苦吶喊

翻開歷史史書,第一批非洲黑奴被販賣到美州是在1619年弗吉尼亞州登陸。西方殖民主義國家為了向美洲殖民地種植園和礦山提供勞動力,從黑非洲擄走大批黑人,將其遠程販運到美洲等地,這就是血腥的非洲奴隸貿易。為了避免黑人們群起反抗,黑人到達美國后通常被拆散家庭,主要散布在南方種植園里。販奴業到了十七世紀中葉迅速膨脹,美國各州甚至通過法律允許販奴和蓄奴。在奴隸主的眼里,黑奴不過為他們創造財富的一群會說話的“牲畜”,隨時可以販賣、打罵、虐待,甚至殺害。黑奴背井離鄉,妻離子散,為了保存性命只有拼命地干活;他們在田里嚎叫勞動號子,“這種田間號子(field holler)號子是即興編唱,多采用虛詞為歌詞,只有很少一部分采用實詞作為歌詞,主要采用五聲音階,而且有帶腔(bent pitches or flexible tones),后來成為藍調有的藍調音(blue notes)。號子多采用一領眾和形式,節奏比較復雜。”[1]勞動號子是一人領頭起調,眾人跟著和聲,它承襲非洲音樂“呼喊與響應”的傳統群唱方式,用以舒緩勞作的辛苦,以及宣泄和抒發黑奴的苦悶、憂愁和痛苦的內心感受。這種從心地里發出的吶喊歌是對郁悶苦楚的釋放和宣泄,它減輕了黑奴的生存痛苦。從某中程度上說,這種吶喊式歌唱能提高工作效率,為奴隸主創造更多的勞動價值,這也是最早期藍調得以萌芽和發展的原因之一。

藍調的根緣于田野號子、囚歌、靈歌。這些都折射出奴隸制的種種罪惡以及黑奴所遭受的不人道、不正義的待遇,原始期的藍調保留了西非音樂的呼應傳統演唱方式,內涵加上表達憂郁、傷感、痛苦的內心感受,所演唱的內容往往局限于勞動、助興、宗教,否則會惹上殺身之禍。

2 藍調的誕生――來自最底層人群的哀歌

藍調最早的出現時間不很精確,一般認為是在1870年和1900年之間。這個時期與美國南方奴隸解放和從奴隸制轉向合作制和小規模農業的過程一致。奴隸制廢除后,黑奴雖獲得了人身自由,但他們的苦難和受剝削、受壓迫的地位并非得到終結,他們的生活依然充滿苦難。留在種植園的黑人只能靠租用種植園主的土地和農具或干一些季節性的短工,勉強維持生計。黑人在田野勞作時的歌唱由奴隸時期的群唱轉變為單獨的呼喊,這種獨自的“田野呼喊” 聲音嘹亮,拖音很長,主要宣泄內心的壓抑、苦悶和痛苦等情緒和感情。而那些不愿留在南方的黑人到處漂泊,到處尋找生計;他們在顛簸的旅途中,即興唱起自編歌曲抒發在他們白人社會里遭受到的新的苦難、悲傷和焦慮心情,這些都可能是藍調雛形。最早的藍調式的音樂是一個“功能式的表達,其啟應的歌唱沒有任何伴奏、和諧,不拘束于任何形式,沒有任何特別的音樂結構?！盵2]而這些功能式的表達是來自內心的感受和情感。這些從奴隸田野工作時的叫喊和呼喚來源的藍調以前的音樂逐漸擴展為“簡單的、帶有感情內容的單聲歌”。[3]

在這荒誕、黑白顛倒的社會里,黑人常常遭到白人種種無理的排斥和歧視;他們不得不從事一些工作微薄,工作條件極差、工作時間超長的辛苦勞累工種;晚上,黑人們聚集在種族隔離地,唱起了他們即興編唱一些歌曲,訴說自己的不幸遭遇和社會問題。密西西比三角洲是美國黑人最早的隔離聚居區,是藍調的發源地;其中孟菲斯的比爾大街是早期藍調形成的地方之一。今天被看作是典型的12節藍調是1900年代初在密西西比河下游的黑人社群中出現的。藍調最初的格律是AAB形式,前兩句是一樣,后一句是即興發揮;旋律一般是12小節,每句歌詞唱4小節,3句剛好是12小節,這種形式被稱為“12小節藍調”(twelve bar blues)。

由于藍調成形于其個人表演,所以很難指出其共同特征。藍調的重要元素如啟應方式、即興演唱和藍調之音承襲了非洲傳統音樂。早期藍調有時會在旋律的結尾加上一些延續性的哼唱,或者將部分旋律加上一些顫音,有時會在旋律間加上一句吼叫,這種都是來自即興時和來自內心的感受的自由發揮。它啟應的形式是以一呼一應的形式進行,樂句起初會給人種哭訴、無助的感覺,接著的樂句像是在安慰、舒解痛苦的情緒。

早期的藍調往往是松散的敘事歌曲,歌唱家訴說他或她在“一個殘酷的現實中的個人遭遇:失愛、警官的殘忍、白人的迫害、艱巨的日月?！盵4]如歌曲《黑、棕、白布魯斯》,歌詞大意如下:“啊,兄弟,請聽我唱這支歌,真實的歌曲。若是黑人去找工作,人們會說,你是白人那可以,你是有色人種靠邊等。如果你是黑人,啊,老兄,快滾,快滾,快滾?！焙谌送ㄟ^演唱藍調,唱出了心中的苦悶和憂愁,唱出對生存的焦慮,對種族隔離的社會所施加的羞辱、貧窮和暴力的吶喊;唱出對縱容種族歧視等種種不公正的反抗和對真正自由、平等的呼喚;也唱出出對友愛、真誠及一切美好的事物的期盼。

3 藍調的演變――黑人現實生活的寫照

藍調在音樂中最早的書面記錄出現在孟菲斯威廉?克里斯托弗?漢迪的《孟菲斯藍調》里。漢迪也是是第一位將藍調改寫給樂團的人,他是一位非常著名的作曲家,自稱為“藍調之父”。上世紀20年代,藍調通過漢迪的之手和經典的女藍調演唱家獲得了“白人”聽眾的青睞,藍調從非正式的表演演化為劇院里的娛樂。

經典女性藍調或者滑稽歌舞劇藍調歌唱家在1920年代尤其出名。比如貝絲?史密斯(Bessie Smith,1895-1937),她是一位滑稽歌舞劇演員出身,但的確享有“藍調皇后”之稱。貝絲富有特色的演唱包括各種滑音和顫音的巧妙運用,她所演唱的“ 圣路易斯布魯斯”是具有經典性的藍調之一,還有她錄的“瘋狂藍調”唱片在一個月內賣出了7.5萬張。貝絲的導師馬?雷尼同樣受尊敬,有“藍調之母”之稱。令人傷心的是,“傷感歌后”貝絲最終獲得去卡內基音樂廳演出的權利,卻在半路車禍受傷,又因距事故發生地最近的醫院拒絕收治黑人而耽擱了治療時間,死在去第二家醫院的路上。

隨著錄音工業的發展,一些演奏鄉村藍調的藝人在美國黑人社群中的名聲也不斷增高。鄉村藍調往往沒有伴奏,或者只適用一個班卓琴或者吉他來伴奏,其表演往往是即興演奏。20世紀早期最具有特色的鄉村藍調風格要數的是密西西比三角洲藍調風格。密西西比三角洲藍調風格純樸,往往使用撕吉他或者口琴伴奏,它的歌唱非常簡單而又充滿激情。撕吉他成為三角洲藍調非常重要的組成部分。盲人萊蒙?杰佛遜(Lemon Jefferson, 1897-1930)是第一位使用撕吉他錄音的藝人,他使用刀片、酒瓶和其它不尋常的物件來彈吉他。盲人萊蒙從小街頭賣唱,尋找自己的生活,他所演唱的鄉村音樂,風格比較清淡,歌聲冷峻,吉他伴奏恰到好處,歌詞仿如詩歌;他享年33歲,在寒冷的冬日不知何原因凍死街頭。撕吉他成為三角洲藍調非常重要的組成部分;這個風格另一最有影響的演奏家可以說是羅伯特?約翰遜(Robert Johnson,這位譽為“布魯斯之父” 由于當時的黑人所處的社會處境,早死于非命,留在世人的是他那帶有哀訴的吉他聲音和有規律地顫動節拍的錄音歌曲29首。

30年代后期和40年代初,美國經濟大蕭條拉開黑人從南方農村源源不斷遷往北方工業城市的序幕,二十世紀三十年代到第二世界大戰結束,大批的鄉村藍調藝人前往芝加哥、洛杉磯等工業中心城市尋找生活出路。藍調跨越了鄉村和電子藍調的界限。“一把原音吉他和伴唱在點唱機酒吧和密西西比的后陽臺聽起來已經很大聲了;但是在北方,原音吉他和伴唱經常被夜總會的嘈雜聲和街頭車聲所掩蓋。”[5]生活環境的改變促成了藍調風格的轉變和內蘊傷感靈魂的屏棄;伴奏由原音吉他換成了電聲吉他,伴奏樂隊中還加入了鋼琴、鼓、低音提琴等樂器來渲染氣氛;歌曲情緒基調也由原來的藍調傷感憂郁、以敘述苦難生活為主,轉變為熱烈奔放、興高采烈。實質上,城市藍調用一種反諷的幽默,看似乎淡化了悲哀,實是加深表達不幸的辛酸。

篇8

天總很是那么的藍那里的人們 總是那么的善良……”

月色溫柔的夜晚，被樹木環繞的阿百臘客棧木制的小屋里傳出一陣動聽的歌聲，伴著柔和的吉他聲，讓空氣中多了一分浪漫的氣息，我們被吸引住，走進小屋，樂聲戛然而止，一位抱著吉他的俊朗青年，皮膚黝黑，手指修長，靦腆地對著我們笑笑，邀請我們坐下喝茶。

他叫艾果，生活在芒景上寨的布朗族青年，艾果告V我們，這一晚他要到寨子里表演，所以在表演前到這里為樂器調音、試音，于是我們才有幸聽到這么美妙的音樂。艾果緩緩撥弄著琴弦，跟我們說他從初中就開始自學吉他，現在和表弟一起玩音樂、創作歌曲。每天晚上，寨子里都會聚集起一群年輕人，等待著艾果為他們帶來動人的聲音。剛才進門時我們聽到的這首歌曲名叫《云海上的古茶林》，是由艾果表弟創作的，歌唱的正是這座美麗的茶山。

艾果很有音樂天賦，靠著摸索學會了彈吉他，還能在彈奏中創作出新的曲子，需要靈感的時候，他會帶上吉他到山上走走，看看云海、看看茶樹，聞聞空氣中茶葉的香氣。有時，他會自己動手制作樂器，享受那種專注、安靜的時光，我們看到了放在茶桌邊他親手制作的樂器，他告訴我們那叫牛腿琴，有四根弦，不過他更喜歡叫它叮當，就像它的音色一樣很清脆的感覺。聽艾果說，他和樂隊還曾經一起到昆明參加音樂比賽，獲得了三等獎，我們詢問他為什么不繼續去更遠的地方追求音樂夢想，他爽朗地笑笑，說：“因為要采茶，所以我必須在這里。”

篇9

爵士樂(Jazz)源于美國黑人民間音樂,20世紀初產生于美國新奧爾良。它是世界上最有影響的流行音樂。爵士樂主要有兩種類型:布魯斯(Bluess)和拉格泰姆(Rageime)。

布魯斯又稱藍調音樂,是在美國黑人靈歌與勞動歌曲的基礎上發展起來的,它是爵士樂的主要成分。布魯斯在英文中是憂郁、悲憤、苦悶的意思。布魯斯音樂的主要特點是:在大調音階上降低第三音級和第七音級,有時還降低第五音級。這些降半音的音符具有小調色彩。除此之外,純五聲音階在布魯斯音樂中也是經常使用的。速度一般比較慢,常常以4/4節拍為主,但也有2/4節拍的,多用各種不同的切分節奏。布魯斯的伴奏樂器最初只是吉他,后來逐漸加進了其他樂器。

拉格泰姆沒有歌詞,只是用于舞蹈的伴奏。過去一般都是用鋼琴來演奏。其主要特點是:左手有規則的每一小節都均勻地排列著四個八分音符,分為兩組,每組有兩個八分音符 ×× ×× 。第一個八分音符通常是和弦的根音或低音,第二個八分音符為較完整的和弦,因而形成了循環反復的低音進行,充滿不規則的強音切分節奏。拉格泰姆通常使用2/4節拍,速度較快,氣氛熱烈。

目前,我國通俗歌曲在吸收運用爵士音樂上,大體歸納起來,有以下幾種:

一、吸收靈歌的對比手法

靈歌,是黑人送葬時所唱的歌曲,它是布魯斯音樂中的一部分。曲調較為自由,節奏富于變化,常常出現斷聲、氣聲、哭泣聲、喊叫聲、聲等,以及似說非說、似唱非唱等特點。在我國有許多通俗歌曲借鑒吸收了這種形式,并創作出大量成功之作。如:《心的祈禱》《讓我再看你一眼》《寂寞讓我如此美麗》《離不開你》等經典歌曲。其中,《離不開你》是一首優秀的通俗歌曲,較好地運用了靈歌的手法。它的音樂語言集中,節奏運用自如,是單二部曲式結構(即A、B兩段體)。A段音樂是從較低的音域以平靜、述說般的情緒吟唱開始的,并根據歌詞的內容,字音的變化發展規律,使旋律具有親切、自然、敘述性強等特點。在A段還沒完全結束時,引進了B段的出現,使A與B一氣呵成,這是靈歌中的一大特點。A段結束在小字二組的“2”音上,接著出現,顯得十分激動人心,B段的出現使歌曲更好地渲染了,全曲的音域在兩個八度之間,曲調構成了四個小分句,節奏拉寬,前后形成了鮮明的節奏對比、旋律對比、音高對比和強弱對比等,充分表現了對愛人發自內心深處的傾訴和思念之情。

二、藍調音符的運用

有一種叫做藍調音符的音,如:b3 b5 b7等,在布魯斯音樂中占有很重要的地位,這種藍調音符可以使歌曲聽起來很富于爵士味道。在通俗歌曲中,為了加強旋律的色彩,有時出現藍調音符,這種音符的出現給歌曲的旋律帶來新鮮之感。如:《一九九七永恒的愛》在歌曲的頭一句就降低了第三級音(b3),由于降半音的出現,使旋律更加細膩深情。但這種變化音的出現不宜太多,要起到畫龍點睛的作用才好。

三、吸收布魯斯、拉格泰姆的節奏

通俗歌曲的節奏變化是非常多樣的,也是極其重要的。節奏自由多變是通俗歌曲的又一特點。在歌曲中,切分音節奏及跨小節連線音和符點音符的反復出現,使節奏變得復雜而更富于動感。這些節奏的運用是受布魯斯和拉格泰姆的影響。如:拉格泰姆之王喬普林的《楓樹葉拉格泰姆》。在這段樂曲中可以看到,切分音節奏占有重要位置。在歌曲中相同固定的節奏型反復也是常用的。其目的是為了加深印象。如:《糊涂的愛》。

四、借鑒布魯斯歌曲中的演唱技巧

通俗歌曲在演唱上,借鑒了許多布魯斯歌曲的演唱技巧,如:氣聲、斷聲、假聲、、喊叫等。這些技巧對通俗歌曲的演唱奠定了基礎。當然,這些技巧的處理,必須從歌曲的實際內容出發,尤其應注意與歌詞的結合要自然貼切,恰到好處。只有這樣,才能與歌曲達到完美統一。

即興演唱,也是通俗歌曲中常見的一種手法,而這種即興性意味著一種高超的技藝和表現力,這一點和我國的戲曲、曲藝音樂十分相似。通常,在歌曲的段落中最為常見。即興演唱基本上是根據旋律、節奏、調式等特點進行二度創作,也有人稱之為“飛”(即唱飛了),一般都是唱一句或一段,常在歌曲結尾部分出現,這種演唱能給歌曲帶來耳目一新之感。

有的歌曲還運用藍調音符作為裝飾音,來裝點旋律,這一般都是用氣聲來演唱,使得歌曲聽起來沾點爵士味,如:丁薇演唱的《在水中》等。

五、吸收爵士樂中的一些伴奏手法

在通俗歌曲中,吸收采用爵士音樂伴奏的手法大致有以下幾種:(1)“助奏樂句”。這是指演唱者在演唱中休止處,由樂隊來加以補充,一般常用鋼琴、吉他、薩克斯樂器等。(2)和聲的運用。在通俗歌曲中經常采用爵士樂常用的和弦,來作為色彩和聲,如六和弦、九和弦、減七和弦、增三和弦。(3)樂器的使用。有爵士鼓、爵士風琴、薩克斯和小號等。這些樂器在通俗歌曲中也是主要樂器之一,只是在演奏方面沒有那么復雜而已。

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