對藝術創作的理解范文

導語：如何才能寫好一篇對藝術創作的理解，這就需要搜集整理更多的資料和文獻，歡迎閱讀由公務員之家整理的十篇范文，供你借鑒。

篇1

符號論美學是以更加直觀的形式來進行藝術表達，以象征和符號的方式來表達藝術情感，在很大程度上還原了藝術的本質，對藝術創作和鑒賞理論進行了創新，用人類哲學文化來闡釋藝術創作，引領著藝術創作的發展方向。而符號論美學的藝術鑒賞理論，從全新的角度詮釋了藝術與美，推動著美學的發展和進步，成為藝術創作的重要理論基礎。

一、符號論美學的重要意義

在現代西方美學的發展過程當中，作為獨樹一幟的美學理論，符號論美學從獨特的視角，“符號化”的表達，與神話、語言以及科學相互聯系，更加形象的進行藝術表達，將思想和情感融入到作品當中去，實現藝術創作的自由和創新。符號論美學是按照直覺將進行藝術創作的事物“形式化”，形成符號。將藝術創作作為一種主觀意識上的形式構建過程，能夠充分地發揮想象力，極大的增加了藝術作品的創新性，有利于藝術的發展和進步。

符號論美學能夠將藝術更加真實的進行表達。根據符號論美學理論，藝術真實性表達并不是局限于現實生活中的具體事物，將其真實完整的展現出來。這不是創作，而是模仿。真正意義上的真實性表達是從符號形式上進行創作表達。通過形式真實的表達，來呈現真實的藝術作品，真正體現出符號論美學的內涵以及藝術創作的本質。

另外，符號論美學的審美鑒賞，讓人們更加直觀的感受和體驗藝術形式化創作的魅力。而藝術創作過程當中，藝術創作者將構成藝術作品的各種形式有機的組合，實現藝術形式化的創作，無論是從繪畫的光影、線條，還是從音樂的節奏、旋律，或者還是詩歌的文字等藝術形式，將藝術更加完美的呈現，具有更高的審美鑒賞價值。符號論美學開拓了藝術創作的新領域，引領著藝術的發展方向。

二、符號論美學的藝術鑒賞

無論是卡西爾最初提出的符號論美學理論，還是經過蘇珊?朗格創新推廣的新理論，都對符號論美學的內涵進行了闡述，從藝術本質上進行分析，將藝術創作賦予了全新的概念和意義。經過了幾十年的發展和完善，符號論美學已經成為一個系統而復雜的理論體系，而藝術鑒賞是最能闡釋符號論美學的重要途徑之一。對符號論美學的藝術鑒賞理論的解讀，使符號論美學理論基礎下的藝術創作能夠更好的表達。

（一）藝術鑒賞的內涵

對符號論美學理論基礎下的藝術創作進行鑒賞，需要從藝術內涵出發。蘇珊?朗格認為，藝術鑒賞更深層的內涵，并不是固定的形式和可以進行邏輯解釋的表達方式，而是無法通過語言和文字來進行理解和解釋的。真正的“符號化”或是“形式化”的藝術創作，都是抽象進行的作品。無論是從光影、線條、節奏等表達方式的組合應用，還是情感的表達，都能更加強烈的激發美感，而不僅僅局限于形式當中。藝術是由各種形式的符號組合而成，而藝術本身也是人類的情感符號。人類為了抒感，無法用語言來表達時，就以藝術創作作為情感符號，將情感完整的表達在藝術作品當中。符號論美學的藝術鑒賞的內涵，就在于“形式化”的情感表達。除此之外，符號論美學與現代科技以及各學科之間的結合實踐，使其藝術內涵具有時代的氣息，其藝術鑒賞具有更強的理論價值。

（二）藝術鑒賞的形式

藝術創作就是情感表達的“形式”，符號論美學將藝術表達更加“形式化”，把抽象的的藝術形式更加具象的表現出來。藝術形式作為生命形式當中的一部分，人的邏輯思維、情感思想在一定程度上影響著藝術的表達。利用人類情感進行感知，對藝術形式當中的“形式”或是“符號”有著更深層次的了解和掌握，并能進行準確的判斷和預測。而藝術審美正是在此基礎之上，參與到藝術創作當中的一種形式。通過情感的感知，將藝術鑒賞提升到一個新的層次上，以藝術表達來震撼人心。生命創造出情感，情感創造出藝術，藝術形式的表達是生命形式表達的重要一部分，是生命的投影。藝術創作就是利用抽象化的手段和方法，將藝術作品更加真實的展現出來。藝術的發展與進步與生命的成長是類似的過程。生命形式的藝術表達，是符號論美學的內涵。通過構造符號形式，創作藝術作品，表達生命情感。因此，符號論美學具有極高的藝術鑒賞價值。

篇2

只有重視主持意識在播音藝術創作中的價值，才能積極能動地傳達出創作內容的藝術魅力，催生播音語言藝術表達的百花齊放。在播音藝術創作中以主持意識的特點、方式和目的去選擇和駕馭一切表現方式和手段，是使作品在表現力上具有魅力和創新的關鍵，亦是彌補現有傳媒教學的缺失、適應現代社會對復合型人才的要求。正如張頌老師所言：“播音藝術創造活動的豐富生動、千差萬別，都離不開語言主體的創造性、開拓性、群眾性、時代性。從人文精神的音聲化層面，注重語言主體的研究，也許能沖破‘工具論’的機械性，集結‘文化論’的普泛性，打開語言本質的大門，推動語言活動的科學化、規范化?！币灾鞒忠庾R的視角觀照播音藝術創作過程，既能開拓播音主持藝術研究的學術視野，又能為播音主持藝術傳播研究提供一種實證，對當前播音主持藝術教育的生存與發展也有較強的現實意義。

二、主持意識產生的適應性需求

播音是一種有聲語言藝術的表達方式，屬于創作范疇。在這種有聲語言的二度創作過程中，傳播主體按照創作要求運用主持意識，積極能動地將文字符號轉化為有聲語言、創造性地將內部語言轉化為外部語言。張頌認為“有聲語言的創作，必須完全符合創作要素（創作目的、艱苦勞動、改變形態、完整作品）的要求，否則就稱不上創作”；①創作主體按照播音創作四要素的要求進行語言傳播時，需要發揮主持意識的能動性，掌控創作的主動權，展示自我張揚個性的舞臺，有效地實現個人的藝術夢想。人們的行為總是有著一定目的，播音創作的目的亦是宣傳黨的方針政策、傳播信息、服務大眾。在明確播音創作目的的過程中，創作主體需要在主持意識的統率下，規范創作過程，搞清對具體內容的創作是在規范社會公德還是在痛斥社會陋習，是在宣傳家庭美德還是在開掘審美視角，做到心中有數，而不致迷失航向、偏離主題。播音創作的第二個要素是需要艱苦的勞動。播音屬于二度創作，是把冷冰冰的文字轉化為有聲有色的語言的過程，創作主體需要在對文字進行理解感受的基礎上遣詞造句、表達情感。這時創作主體在進行反復推敲和再三琢磨的勞動中，激發創新意識，挖掘藝術思維中轉瞬即逝的閃光點，啟發語言表達上的表現力，實現播音創作的目的。在這種創作中，創作主體運用主持意識深鉆苦研，提高播音創作的自覺性，增強對播音藝術的創作力。播音創作的第三個要素是改變形態，是創作主體把文字稿件轉化為有聲語言，把內在思維轉化為外部語言進行傳播的活動，完成了語言藝術由靜態到動態、由無聲到有聲的形態轉變。這個過程并不是簡單的念字吐詞而是把文字轉化為創作者自己的語言，亦不是漫無目的閑談性的聊天，而是在理解與升華基礎上的以理服人、以美愉人。這就要求創作者在改變形態中發揮主持意識的潛在的主觀能動性、遵守播音創作的規律、呈現創作，從而使主次關系明晰、表情達意貼切。播音創作的第四個要素是需呈現出完整的作品，可以是一檔完整的節目也可是多人共同完成的詩歌朗誦作品等。作品的“完整性”體現出創作者調動自己的主持意識的重要性，因為“完整性”不僅是形態的有頭有尾、有始有終，還是作品內容中的“不可重復、不可模仿”。這就要求創作主體以主動性的思維對語言內容進行不同形式的具體感受，引發不同思想情感的深化，傳達出具有個性印跡的藝術作品。這個完整的作品包含著創作主體與眾不同的表現手法和藝術趣味，更融入了個人在生活道路和藝術歷程中的體驗、觸動、思考與啟發。

三、主持意識在播音藝術創作中的主導作用

主持意識是建立在對主動性思維的理解和主動性語言表達方式的創作把握上。所以，在播音藝術創作中的每一部分（內在感受、有聲語言的組織特點及創造表達等）都是來源于對主動性思維的理解和把握上，以主動性語言的形式特征和藝術軌跡進行思考，是使有聲語言在表現力上具有魅力的關鍵。良好的文化基礎和學習儲備，對于有聲語言創作的完成來說是一個非常重要的前提。這種創作的準備就是廣義備稿和狹義備稿，有這一點作為基礎，可使創作者更為集中地抓住稿件的精神實質，更為恰當地把握表達技巧。但不善于運用主動性的思維方式開掘播音創作的表現力，便無法使播音創作有的放矢。創作主體也只有在較高的政治覺悟和豐富的藝術素養的廣義備稿、較為廣博的知識和較為扎實的播音技能的狹義備稿的基礎上，才可以更為主動駕馭稿件的主次關系，恰如其分地運用表達方法，吸引和感染受眾。文字稿件是將靜態的文字呈現給讀者，而播音藝術的創作必須把靜態的形態改變為動態，改變成一串串鮮明生動的語言符號以豐滿受眾的想象力。播音藝術創作是把文字的東西轉變為創作者要說的話，所以不能被動地“播”、被動地念字出聲，要理解、感悟，激發播講愿望，以積極的心態進行聲音意象表達，以主動性的方式思考節目的內容形式、選擇語言表達手段，從而使播音鮮明深刻，這也就是我們所說的主持意識在播音創作的每一環節中的呈現。“音”是播音藝術創作的表現形式，“播”則是這種創作的趣味核心，更是播音之所以稱為“藝術創作”的意義所在。播音藝術創作在內容和形式上重視個人的具體感受和情景表現的自由，使文字稿件里的任何一種對象都可以通過停連、重音、語氣、節奏等表達技巧打通情感動脈，賦予其生命；作品的生命在創作主體的調度和發揮中，充滿靈性，富于韻味。創作主體發揮主持意識的主導作用，能動地運用表達技巧，把技巧轉化為表達工具，為傳播服務。創作主體通過停連的回味想象、節奏的抑揚頓挫、語氣的擬人夸張等技巧的運用，使有聲語言創作串聯起聽覺微妙的感受，描繪出富于情節的精彩畫面；作品的內在韻味基于創作主體主動積極的內在感受過程，也只有主持意識所引發的主動性思維運用方能將文字內容的原汁原味解讀給受眾。電影、電視等藝術作品，因其是實物的呈現，所以在創作上的表現力是相對寫實的，這就限制了受眾的接收空間；但播音藝術創作則不是，作品中創作的所有對象可通過多姿多彩的表現手法賦予其靈性，讓受眾意念自由揮發、任意馳騁。這就是有聲語言創作表現出來的自由性所帶來的優勢，這也正是有聲語言創作在表現力上無可比擬的一個特點。所以，播音藝術的創作意義不是簡單的“播報”與“發音”，而是創作者在以負責、掌管的主持意識的運用后所給予受眾多姿多彩的意境空間；重要的是在語言的組織方式和表現力上怎樣以主動性的思維、主動性的目的進行創作，充分運用播音語言的“主持”優勢營造魅力聲場。運用主持意識所進行的有聲語言的創作對受眾進行吸引與統領，具有鮮明的目的性。播音藝術的創作，不是自娛自樂，亦不是漫無目的胡侃，而是吸引受眾，讓受眾獲得信息，得到啟發，感受到生命的真諦與生活的價值。所以當受眾感同身受時，創作者必然會對受眾的潛意識進行統領，以“催人向上”為目的，知善惡、辨美丑、明是非。以主動性的方式與主動性的目的去思考、設計節目的內容和形式，是在播音藝術創作中灌輸的內驅力，是播音員由內而外生發出來的前進力，使播音員的語言創作擁有了生命力，凝練著感召力。這種與受眾在情感上所達到的心理默契充滿了人文關懷，可以在創作中營造溝通的氛圍，疏通交流的渠道，在互相尊重、互相理解中達到一種情感共鳴，以承擔起廣播電視媒體“教育和鼓舞”受眾的職責。

四、主持意識在播音主持藝術教育中的培養

篇3

丹納（1828-1893），法國著名的史學家和批評家。他的《藝術哲學》這部著作較為全面地論述藝術創作的根源。“在他看來，物質文明與精神文明的性質面貌都取決于種族、環境、時代三大因素。”[1]

丹納一開始就說：“作品的產生取決于時代精神和周圍的風俗?！盵2] 換句話說，時代精神與風俗習慣決定了藝術品的種類。時代精神與風俗習慣就是作者所言的環境。丹納認為，環境只接受同它一致的品種而淘汰其余的品種，所以藝術家必須適應社會文化環境，才不會被社會淘汰。

社會文化環境不是一成不變的，不同的時代有著不同的社會文化環境，不同的時代產生不同的藝術品種。例如，希臘雕像產生于熱愛運動、崇尚藝術的古希臘時代；哥特式建筑產生于封建與基督教的中古時代；意大利美術產生于17世紀的文藝復興時期。

不同的時代精神可以映射出不同的社會文化環境，不同的風俗習慣可以映射出不同的種族特征。種族是一個種族區別于其他種族而具有的獨特的特征。作者將種族比喻為藝術創作根源中的原始花崗石，它不會隨著時代環境的發展變化而改變，它是一個民族的永久的本能，它與民族的壽命一樣長久，一樣牢固。

二、種族、環境、時代與民族性格的關系

民族性格是一個民族表現在行為舉止、思維方式及精神氣質上的心理特點的總和。[3]由于地理環境和社會政治、經濟、歷史、文化的作用，不同的民族擁有不同的性格。

在古希臘時代，全身是希臘人特有的習慣，衣著只是附屬品，不拘束身體；房屋室內配備簡單，即使是他們喜歡的露天生活中的廣場和練身場也一樣簡單樸素；在古希臘城邦，公民享有參與公共職務的權利；在練身場和舞蹈學校的培養下，公民可以輕松地成為一名軍人。古希臘人生活的所有這些特點存在的原因就是他們擁有非常平衡而簡單的心靈，這種心靈產生于古希臘時代，而不是封建時代，也不是文藝復興時代。所以說，特殊的時代造就了特殊的性格。當時希臘人民的性格是：簡單、樸素、活潑、樂觀、勇敢。

再來說說種族，以日耳曼族和拉丁族為例。日耳曼族，比如德國人和英國人，身材高大，外貌平平，但是安靜、慎重、理智、有恒心，可以堅持不懈地做事業。拉丁族，比如意大利人，生活簡單，頭腦敏捷，能說會道，感覺敏銳，行動迅速，但是經常過猶不及，遇到刺激會過于興奮，以至于會忘記責任和理性。通過對日耳曼族和拉丁族的比較可以發現，種族不同，性格也會不同。

三、民族性格對藝術創作的影響

藝術創作是指藝術家以自身的世界觀、人生觀、價值觀為指導，以一定的創作方法為依托，通過對現實生活的提煉和感悟，將特殊的情感融入到藝術作品中的創作性勞動。藝術家生活在特定的地理環境和精神氣候中，特定的地理環境和精神氣候造就了特殊的民族性格。民族性格直接影響藝術家的性格，進而間接影響藝術家的藝術創作和藝術作品。

精神氣候是指時代精神和周圍的風俗，而時代精神和周圍的風俗是產生作品的決定性因素。精神氣候并不產生藝術家，但卻明顯地影響著藝術家的才干，精神氣候改變，藝術家的才干的種類也隨之改變，這就是為什么某些國家的藝術宗派，有時以理想的精神為發展的趨勢，有時以寫實的精神為發展的趨勢，有時以素描為主，有時以色彩為主的原因。藝術家若是不走群眾路線，就會被社會排斥，甚至于淘汰。

那么，精神氣候是怎么對藝術品產生作用的，這里用精神狀態以悲觀絕望占主導的社會環境來加以說明。首先，藝術家是群眾中的一員，是集體中的一個分子，苦難使群眾傷心，也使藝術家傷心。其次，藝術家在苦難中長大，看到的、經歷到的、感受到的都是悲傷，于是藝術家創作的藝術作品自然而然地以悲傷為主。再者，藝術源于生活，在悲傷的時代，藝術家只能獲得悲傷的暗示，教堂中的儀式、屋里的家具、別人的交談，都是藝術家創作靈感的源泉。最后，也是最有說服力的一個理由是，在悲傷的時代，只有悲傷的作品才能引起悲傷的群眾的共鳴，群眾是藝術作品生存的土壤，悲傷是藝術作品生存的養料，二者缺一不可?？偠灾L俗習慣與時代精神，也就是環境，先是影響了藝術家的生活和情感，造就了藝術家符合環境和時代的性格，進而影響了藝術家的藝術創作方法，最后決定了藝術作品的種類。

在古希臘與古羅馬的時代、封建與基督教的中古時代和意大利文藝復興時期，三個不同的時代有著不同特色的藝術或藝術品種，并且作品的主要特征都與時代和民族的主要特征一一對應。

希臘是一個三角形的半島，一面是丘陵地，一面是濱海，天氣溫和宜人，夏季沒有酷熱使人消沉或懶散，冬季沒有寒冷使人遲鈍僵硬，在這樣溫和的氣候中生活的民族，精神平衡和諧，性格聰明開朗活潑。希臘人不沉溺于宗教，神明跟人類一樣是快樂的。希臘人的社會生活也同宗教生活一樣輕松愉快。希臘人喜愛學習，善于思考，所以頭腦敏捷；熱愛生活，所以年輕樂觀；天生是理想主義者，所以容易成為優秀的藝術家。成為優秀藝術家的三個特征也在希臘人的性格中得到了充分的體現：一是希臘人感覺精細，善于捕捉微妙的關系，易于分辨細微的差別，這使得藝術家可以將造型、色彩、情感等所有元素結合得非常融合，換句話說，可以將源于生活的素材，很完美地創作出高于生活的作品；二是希臘人凡事追求清楚明白，喜歡簡單而明確的輪廓，討厭不清楚的、抽象的、怪異的事物，這使得藝術家可以將作品的意境限定在容易被想象力和感官理解的范圍內，讓作品成為不同民族和不同時代的人都可以欣賞了解的藝術，并且流傳千古；三是希臘人對現世生活的喜愛和重視，對于人的力量有著深刻的感悟，追求愉悅，這使得藝術家傾注于表現人的健康的心靈和完美的肉體，而不是病態的精神或殘疾的肉體。

神廟是希臘城內重要的建筑物，而雕像是神廟的重要內容，它們給人的整體印象是簡單、樸素、寧靜、高雅、雄壯，這種印象與希臘的民族精神完全一致。希臘人的心靈和肉體是健全的，造就的建筑和雕像自然是健全的；希臘人不喜歡過度興奮的幻想，造就的建筑和雕像自然是清明的理智的產物；希臘人喜愛運動，追求健美、強壯的肉體，造就的建筑和雕像自然是舒展的、雄壯的、優美的。民族性格對藝術創作的影響顯而易見。

四、結語

民族性格對藝術創作的影響是多方面的，也是深刻的。民族性格是由種族、環境、時代等多種因素共同影響而成的，是一種不容易變化的特征，它就好比地質結構中的原始地層，無論經過多長時間，構成民族性格的特性始終存在。藝術創作也是有等級之分的，最膚淺的藝術創作是那些流行的風氣和暫時的事物，略為經久的藝術創作是那些被當時的一代人認為的杰作，而經久不衰的藝術創作是那些可以跨越時代和民族的不朽之作。明白理解了民族性格對藝術創作的影響后，將更易于探尋到藝術創作的根源，更易于領會藝術創作的內涵，更易于指導藝術創作的實踐。

參考文獻：

[1] 丹納.藝術哲學[M].南京：江蘇文藝出版社，2012.

[2] 丹納.藝術哲學[M].南京：江蘇文藝出版社，2012.

篇4

[關鍵詞]人生經驗 藝術經驗 內省 藝術創作

藝術創作作為一種創造性的精神活動，具有鮮明的主體性。整個創作過程就是“人的本質力量”的外化過程，是畫家“自我實現”的過程。畫家總是生活在一定的社會環境中，有著自己的生活歷程和生命軌跡。作為藝術創作主體的藝術家，會有意無意地將自身的人生積淀流露于創作過程，并將其滲透到藝術作品之中。豐富的生活經歷和獨到的人生經驗，是畫家進行藝術創作的堅實基礎。畫家進行藝術創作，離不開豐富的社會生活經驗和人生體驗。不過，這種生活經驗，不同于客觀意義上的生活現實，不是純粹外在的東西，而是已經進入到畫家感知領域，是從客觀內化入主觀，與情感世界建立了牢固聯系的生活，這是一種人生體驗。畫家在人生體驗中實現了主體與客體的交融統一，并通過人生體驗獲得了對生命與生存境遇、社會與自然、歷史與現實的瞬間領悟。畫家的這種經驗世界也就構成了藝術創作的巨大能源。

一、人生經驗與藝術經驗

畫家的人生經驗源于多種渠道。這種人生經驗可以是在生命歷程中的親身經歷，也可以是得自于他人的作品中間接獲得的經驗；這種人生經驗可以有意識地去尋找、發現，主動地去嘗試、體驗，從而自覺地積累起來，也可以是在無意識中自然獲得的。

畫家的人生經驗是最直接也最重要的來源，就是畫家自己生命歷程中的親身經歷。畫家從童年時期開始，走過人生的不同階段，都可能作為人生經驗積淀。對于畫家來說，最可能影響甚至直接進入藝術創作的，往往是那些曾經在身心方面引起過強烈震撼的經歷。有些人生經驗，時隔久遠，由于時間的沖刷甚至似乎淡忘，實際卻永久地埋藏在記憶的深處，總會在適當的時機浮現出來，因為那畢竟屬于與生命歷程息息相關的心靈體驗。如：凡高用痛苦而又短暫的生命，積累了人量人生經驗，通過作品的傳達展現在人們面前的是一個生動感人的世界。生活經驗各不相同，幸福的生活經驗有時會給藝術創作注入特別的活力。人生的挫折與磨難，動蕩與艱辛，對于作家來說，更是一筆寶貴的財富。打擊，往往對作家形成強烈的刺激，使其更為清醒，更為深刻；逆境，往往對藝術家構成嚴峻的考驗，能誘發出抗爭的勇氣和拼搏的力量。中國的屈原、曹操、杜甫、關漢卿、曹雪芹、蒲松齡……都是人生逆境成就了他們的文學創作。奧地利作家卡夫卡，一生都生活在父親的陰影里。他自幼就受到父親的壓抑。他那柔弱、憂郁、內向、羞怯的個性氣質，使得他在強悍、專橫、粗暴的父親面前永遠處于卑微、被動的位置。正是在這種精神壓抑的狀態下，他創作了《變形記》、《判決》、《鄉村醫生》、《城堡》等一系列著名小說。在他的作品中，有變成一只甲蟲拒絕與人交流的推銷員，有服從父親的判決而投河淹死的青年，有在風雪中赤身逃命卻永遠也到不了家的鄉村醫生，也有少年身上那無法治愈的傷口，還有遙望城堡卻永遠無法抵達的土地測量員……這些形象荒誕怪異，但卻像寓言般的象征著人生的孤獨、恐懼、痛苦、絕望，暗示著作者隱秘的人生經驗。許多藝術杰作的出現，背后都有作家痛苦的人生經歷。

藝術家的間接經驗，雖然不像親身經歷那樣真切，但是作為對對親身經歷的一種豐富和補充，也不可忽視。聽取別人的轉述，閱讀各種文字資料，同樣可以開闊眼界，了解人生，認知社會，使藝術家的人生經驗更加廣闊多樣。藝術思維可以通過聯想、直覺的想象而進行，有時甚至是從一條消息的字里行間穿越過去。間接經驗在藝術創作中有著特殊的意義，有時甚至是必不可少的。事實上，在藝術家具體的創作實踐中，直接經驗和間接經驗是合一的。沒有哪一個藝術家是單純依靠直接經驗或單純依靠間接經驗來創作的。當然，親身經歷的直接經驗無疑比間接經驗更為重要。藝術家缺乏對生活的直接感受和體驗，只憑書本或道聽途說，是不可能領悟到人生真諦的。有時，藝術家為了創作某些題材的藝術作品，可以有意識地去尋找生活材料，體驗生活對象。如：、石濤、黃賓鴻、吳冠中為了搜集創作素材、無數次飽游中國的大山名川。但作家更多的人生經驗并不是刻意去獲得，是在生活歷程中憑借著高度的藝術敏感而自然積淀的結果。

藝術家的藝術經驗與人生經驗之間存在著緊密聯系，但又有所不同。藝術經驗是藝術家在藝術創作實踐活動中獲得的，主要體現為對藝術規律和藝術技巧的認識、掌握和運用。每個藝術家的藝術經驗都是獨特的，如巴烏斯托大斯基，是一位深受讀者喜愛的小說家，他的小說創作獨具風格，不僅散發著溫柔的抒情氣氛，而且景物描寫十分生動優美。他的藝術經驗是：重點描寫秋天的感覺，描寫因秋天所引起的感情和思想的狀態。這種藝術經驗是建立在超越時空的心理體驗至上，包含對審美記憶的翻檢、重溫和藝術提煉。藝術家原有的藝術經驗，會對其后來的藝術創作產生一定的影響，包括題材的選擇，構思的處理，意蘊的把握，形象的塑造，技巧的運用等。獲得藝術經驗并通過藝術創作將藝術經驗轉化到藝術作品之中，是藝術家的基本能力之一。藝術家的藝術經驗，具體地凝結在文學作品內容與形式的統一之中。

二、經驗的內省與藝術創造

人生經驗與藝術經驗是藝術家進行創作的寶貴財富，但它們都不能直接體現、直接運用在藝術創作當中，需要經過經驗的內省，對其再次消化、認識和把握。只有內省后的人生經驗與藝術經驗，才有可能進入審美創造的視野，才有可能真正轉化為藝術創作的基礎。

經驗的內省是一種審美體驗逐步深入的過程，是一種內化升華的過程。它源于藝術家對生活和藝術的切身領悟、真情實感、真知灼見，有別于隨意的日常經驗，不是主體單純的靜態觀照，而是以自己的全部身心去擁抱生活與藝術，體悟生活與藝術。它是創造主體對人生經驗與藝術經驗的凝聚、深化和動態發展，也是對富有人生昭示力量和審美意味的客體事物的深層把握，對藝術規律的深層把握。經過經驗的內省，不僅主體和客體達到了交融統一，而且主體與客體都在相互聯系中發生了微妙的變化，它們已經有別于這一過程之前的主體和客體。藝術家對現實、人生、藝術的感受和理解得到了加強，更加深入、透徹，感覺、情感、意志、理性等方面也獲得了升華作。社會生活在藝術家的審美體驗中獲得了新的意義，進入主體的精神世界，從客觀事物轉化為了主體的內心形象。經驗的內省，一般是從對記憶表象的回憶開始，回憶調動起隱藏在記憶深處的人生經驗和藝術經驗，使內省成為可能，并進一步使藝術創作成為可能。從這個意義上說，沒有回憶也就沒有藝術。經驗內省所依賴的回憶，不停留于心理學上的那種對過去感知的情景的簡單復現，它能夠在復現記憶表象的同時，向著審美體驗延伸，向著藝術的想象和聯想延伸，通向藝術創作的自由天地。

藝術家的經驗內省，突出體現于審美體驗的深化。審美體驗是人類實現審美認識和審美創造的重要心理功能之一，其有別于一般的體驗的地方在于，它在再感受、再認識、再消化、再把握的過程中，始終貫穿著主動的內省精神。這種審美體驗的結果，則是藝術家的人生經驗和藝術經驗內在化而成為真切的生命意識。杰出藝術作品的誕生，離不開藝術家審美體驗的深化，離不開藝術家經驗的內省。深度是藝術家人生經驗和藝術經驗內省的關鍵，經驗內省的深度直接影響到作品的社會價值與審美價值，而經驗內省的深度則與藝術家對社會、人生認識和思考的深刻程度直接相關。認識和思考的深刻，帶動著經驗內省走向深化；而經驗內省的深化，又促進著認識和思考對生活和藝術深度的征服。是通過經驗的內省，在精神的跋涉與藝術的傳達中，藝術家得以突破生活與藝術的表層，不僅使自身的心靈得劍了升華，而且使藝術創作的成果具有了永恒的價值和意義。藝術家通過動作、線條、色彩、聲音及言詞所表達的形象來傳達這種感情，使欣賞者在感情上達到共鳴。在某種意義上說，藝術家人生經驗和藝術經驗的內省，體現了藝術創作規律的內在求。僅對于社會、人生有敏銳的感受和領悟，而且能通過經驗的內省使之強化、深化、升華，開掘出其中所蘊含的普遍的意義，并以獨特的形式將其藝術地傳達出來，構成完整的藝術時空，生成全新的藝術形象系統。

顯然，藝術創作是一種創造性的勞動，它不應雷同、模仿、重復，它不是用習慣的思維定勢去感受生活，不是用現成的形式去表現事物，而是翻新出奇，是一種永不停頓的超越。藝術家為了完成藝術創作的使命，既依托于現實，又超越于現實的藝術世界，人生經驗和藝術經驗的積累以及對經驗的內省，是必不可少的。參考文獻：

[l]王朝聞.藝術概論[M].上海：上海譯文出版社.1989.

[2]孫犁.孫犁文論集[M].北京：人民文學出版社.1983.

[3]汪曉曙.繪畫創作論[M].南昌：江西美術出版社.2000.

[4][保]A?利洛夫 著，郭家申 譯.藝術創造的本性[M].上海：華東師范大學出版社.1992.

[5]伏爾泰.外國理論家作家論形象思維[M].北京：中國社會科學出版社，1979.

篇5

【關鍵詞】高校；素描教學；人文精神

一、高校素描教學中人文精神教育的教學現狀

藝術創作的最初目的就是滿足人們精神層面的語言，它和文字作品一樣，可以給予人們精神層面的提高，還可以在一定程度上凈化人們的心靈，好的素描作品應該通過細致入微的高超技巧傳達給觀賞者一種文化內涵，表現出當代人文精神的一種具體特征。但是由于目前我國的教育體制問題，絕大多數素描教學老師都過于注重對素描技巧的教學，從而忽略了對學生精神層面的教學，致使許多作品只是技巧堆疊出的工藝品，而非真正意義上的藝術品。藝術院校的素描教材普遍缺少人文精神方面的教育內容，相對缺乏關于素描歷史人物的人文精神分析方面的知識，使得學生在進行素描訓練時，只注重人物表面的現象。人文精神教育的缺乏使得學生過于關注空間構設、輪廓修飾以及寫實能力的訓練，忽略了人文精神對于作品整體表現張力的提升作用，這在極大程度上遏制了學生藝術創作的質量提升。學生缺乏對于作品整體文化內涵的思考，過于注重寫實，導致藝術成品多了工業制造的感覺，少了藝術創作的精神內涵。其次由于絕大多數教師對于素描成品的評價流于形式，多從技巧方面進行打分評估，致使具有人文精神內涵的作品缺少發展根基，無法在真正意義上得到重視和發展。素描是絕大多數藝術創作的基礎，學生應該通過對筆觸、整體畫面布局以及光影運用的思考去設計作品的文化內涵，提高作品中表現人文精神的能力，創作出真正的藝術品，而非工藝品。

篇6

關鍵詞：藝術；情感；形式；關系

藝術是人類情感符號的創造。藝術家通過藝術作品來傳達個人的情感，那么藝術家怎樣把個人情感通過外在的形式表現出來，藝術形式是藝術家情感的體現，情感需要藝術家通過藝術技術來實現。如何將個人情感和外在形式完美的結合起來是藝術家所追求的，通過傳統技法、個人經驗來完成。藝術的本質在于藝術家把釋放的個性、情感通過一種屬于自己的有意味的形式傳達出來。作品創作的核心是個人情感的表達，藝術家情感意識的產生、發展、升華是藝術家藝術創作的生命線。那么個體情感轉化為有意味的形式是藝術家需要思考的問題，也是藝術家藝術創作的根本問題。如何解決這個問題，就要從兩個方面入手來處理好情感和形式的關系。首先，藝術源于生活，藝術家通過對生活的感受而產生有意味的形式，有意味形式產生的源泉來源于藝術家對生活的體驗：其次，藝術家通過有意味的形式來傳載個人情感。

一、藝術家對現實生活的體驗是藝術形式產生的源泉

藝術家進行藝術創作的首要是要對現實生活有主觀感受。藝術家應具備敏銳的感受能力，能洞察到普通人所不能觀察到的細節，通過對這些細節的獨特感受和體會來喚起藝術家的個人情感的反映和升華，才能在藝術家心中形成一種“意象”，才能喚起藝術家對“有意味形式”的創作激情。一切優秀的藝術作品都是源于藝術家劃生活的體驗，是藝術家從生活的某些動人的細節中激起了情感反映而升華為藝術形象的。如鄭板橋畫竹稱表現的是“胸中之竹”，就是典型的主體情感與外在形式的結合，就是藝術家通過對現實生活的“外師造化”進而達到“中得心源”的境界，通過觀物－取物－比較－體道的步驟，對人自然的外在形態的體察，直接升華為對道的感悟，然后或整體或局部取事物之表，擬諸其形象，加以整括、構思，最終在腦海中形成一種“有意味的視覺形象”。因此藝術作品“有意味的形式”的形成來源與對自然和生活的感受與體驗，是藝術家情感產生的母體，也是藝術家藝術創作的必需的心理感受過程。

優秀的藝術家在現實生活中得來的“心目中的意象”應該是“有意味的”，這是藝術家與普通人情感區別的一個重要特點。藝術家的情感之所以具有意味性，是因為藝術家的審美情感具有趣味性，形象思維具有獨特性。如齊白石大師能從普通生活中的蝦體驗出他畫面中蝦的形象，是因為齊白石能從蝦的外在構架中直接體悟出藝術語言的形式，能將現實生活的蝦升華為個人的情感符號形式。為什么一個普普通通的物象經過不同的藝術家去表現會產生不同的藝術形式?原因就是不同的藝術家個人的情感體會是不同的，發現美的切入點也是不一樣的，都在各自尋找自己心目中美的形式和因素。通過對事物的獨特審美，從中激起個人情感體會，最終產生打動人心的藝術形式，而普通人是不會從這些平常的事物中發現出美來的。這就是藝術家同普通人審美的差異性，是藝術家有獨特的審美情趣造成的。

藝術家通過對客觀事物的細致觀察感受后，運用自身的獨特的形象思維能力將客觀事物直接升化為一種有意味的外在符號形式。如一座山，國畫家看到的是各種皴法，看到的是潑墨，雕塑家看到的是駝峰馬背。而對于普通人來說他們對客觀事物的感受所體會到的只能是現實的表象面貌，他們的情感是缺乏意味性的。因此藝術家所創作出的藝術形式所具有的意味性取決于藝術家情感的意味性和所采取的技術形式。所以說，藝術家的藝術創作少不了對自然生活的體悟，否則就成為無源之水。藝術家的一切藝術活動，都建立在對現實生活的感受基礎上。

二、藝術家通過有意味的形式來傳達主體情感

關于“有意味的形式”，克萊夫?貝爾在《藝術》一書中給予了恰當的闡述，他說：“在每一件作品中，線條和色彩以一種特殊的方式組合起來。一定的形式和形式之間的關系，激起了我們的審美情感，這些關系這些線條和色彩的組合，這些美的運動，我稱之為有意味的形式。”有意味的形式因其具有意味所以才打動人或激起人們的審美感情。那么，藝術形式的“意味性”來自于哪里?前面已論述過，藝術家個人情感的“意味性”決定外在形式的“意味性”，它是形式的“意味性”的一個重要決定因素。同時，就藝術語言本身而言，外在形式本身也具有一定的審美意味性。作品中的線、形、色等按照特定的藝術方法、技術構成特定的形式，從而表現了物象的某種特質，同時又傳達了與之融合的審美體驗、審美胸襟。只有這種形式才能打動人，才能夠激發人們的審美情感，這時候的形式才有了“意味性”，即自身特定的含義。

并不是任何形、色彩、線條等形式因素的隨意組合都能成為“有意味的”形式，也不是擯棄了一切內容因素的純形式就有意味。而是真正打動人的恰當的情感和恰當的形式才能共同構成“有意味的形式”。這里的“意味”與平常說的主旋律、思想內容是有區別的?！耙馕丁笔莾仍谂c外在之間更為深層次的構成因素，是由情感的意味和技術處理上的意味共同構成的。要求藝術家個人情感意象必須找到一種具有個人特色的有意味的技巧形式，通過臺理的運用，才能使有意味的形式最終體現。

能夠體現藝術中情感與形式的關系的例子較多，如畢加索在創作作品《格爾尼卡》時，對畫面的形式構成進行了反復探究。在作品中馬的形式安排設計有過多次變化。按照畢加索的理解，馬在作品中代表人民。在這幅作品的構思中，馬的形象一直都在反復變化著。畢加索對開始的形式都不太滿意。到了最后，馬的形態才最終確立，在作品的中央馬頭高高抬起，與作品里的提著燈的手臂和太陽并駕齊驅。馬張大著嘴表現出一種強烈反抗的樣子，體現了畢加索個人情感中對人民頑強的反抗精神的理解，對于馬的形象在構圖過程中的反復變化直最終確立，我們所能找到的一種可能的解讀是，它是隨著畢加索的情感基調的反復變化和逐步確立而形成的。不同的情感意識由不同的外在形式傳達出，而形式的最終形成是受藝術家情感決定的。

三、結束語

藝術用符號形式表現普遍經驗或對生命的情感，因此藝術的含義就在符號形式自身，而藝術也可以稱為有意味的形式，一句話形式創造了藝術。除了外在形式以外，情感也是藝術創作中重要的決定因素。情感是藝術創作的源泉，沒有情感就無法創作；情感是判斷構思是否“合理”的標志；情感與其他因素結合起來可以豐富藝術的表現力。但都以形象與情感的結合為最重要基質，任何審美創造都離不開這兩個方面，即使是再冷靜的作品，藝術家的主觀判斷與相應的情感也是隱減在作品中可以仔細捕捉山來的。總之，個人認為現當代的藝術創作必須在藝術家的情感、形式兩者統一協調的推進中得到形成，才能使藝術獲得健康和好的發展。在人類的藝術世界的召喚下，藝術家需要不斷激活審美情感，努力把這種情感轉化成恰當的形式，從而創造出偉大得藝術作品。

參考文獻：

[1]張黔，《設計藝術關學》清華大學出版社，2007年版

[2]蘇珊?朗格，《情感與形式》中國社會科學出版社，1986年版

篇7

【關鍵詞】數字媒體 教學設計 藝術創作

20世紀80年代，隨著電腦技術的成熟和個人電腦的普及，與之相匹配的數碼相機、數碼攝像機、數碼掃描儀和打印機等的出現，以及飛速發展的網絡科技，使影像世界得到了空前的發展。在信息化時代的今天，多媒體技術的廣泛應用，使得數字媒體藝術創作被提上日程，在大學的藝術系，數字媒體藝術創作被逐步應用到教學中，筆者通過數字媒體藝術創作的特點與語言、數字媒體藝術創作的教學設計、數字媒體藝術創作的不足與對策等方面闡述數字媒體藝術創作教學中的經驗。

一、數字媒體藝術創作的特點與語言

在多媒體日益發展的今天，人們有意無意拿數字媒體藝術創作與傳統的藝術載體相比較，感受到了數字化影像帶給藝術全新的變革，其通過技術和藝術的結合構成豐富多樣的表現形態。這種全新的創意和創作使得刊物、網頁和電影生動起來，達到震撼人心的藝術效果，給觀眾一種強烈的視覺沖擊力，數字媒體藝術創作使人們得以在現有的環境中體味和感受多種方式的交流互動，而這也必將對高校的數字媒體藝術創作和商業化現代設計理念提出新的發展要求。

數字媒體藝術創作，不僅僅是電腦軟、硬件技術水平的體現，更是藝術創作水平通過技術的再現。與傳統的數碼影像和簡單的電腦繪圖相比，數字化影像具有自身的特點：第一，具有可宣傳、傳播性。數字化影像藝術創作在各個領域被廣泛應用，尤其是廣告、電影電視、地產、金融、保險等。第二，成本高，數字媒體藝術創作基本都是在后期完成，需要大量的制作資金作為保障，因此，數字媒體藝術創作只用在很少的場景中。第三，視覺沖擊力強。任何刊物封面、電視電影場景、地產廣告加入了數字媒體藝術創作，便有一種直觀性和立體感。數字媒體藝術把充滿了想象力的藝術元素用二維、三維等各種技術構建了與現實不同的奇異世界，而這反映在數字媒體藝術創作另一個明顯的語言特征是其特有的節律，數字媒體藝術創作語言形式也是豐富多彩的，如視覺效果、聽覺效果等。

二、數字媒體藝術創作的教學設計

隨著數字化影像藝術在國內各個領域的廣泛運用，這一龐大的需求在各大、專院校也引起反響。各大、專院校已不同程度招收理工、工程、藝術、多媒體等方面的學生加入這一學科的學習。那么如何在實際的課程中對學生進行數字媒體藝術創作的教學，筆者為此設計了一整套教學課程，作為教學實驗。

1.市場現狀。數字媒體藝術在近幾年強勢進入人們生活的方方面面，甚至很多時候控制和影響著人們的生活。數字化圖像、影像已成為人們溝通和交流的橋梁和渠道，甚至影響到社會某種體系的變革，毫不謙虛地說，數字圖像藝術已滲透到社會的各個方面，也已成為21世紀社會文化體系建設的主旋律。由于數字媒體藝術在各個領域的廣泛應用，這方面的人才顯得捉襟見肘。既懂影像技術又具藝術素養的復合型人才就更是鳳毛麟角，對此，市場和社會急需數字媒體藝術創作方面的人才。

2.培養方向。技術的發展對數字媒體藝術創作人員的素質提出了新的要求，迫切需要大批既懂數字化技術又有藝術素養綜合素質的人才。數字媒體藝術設計專業方向培養運用數字化的影像、音樂、圖像、圖形等數字多媒體形式進行藝術表現的專業人才。最終的目的是讓學生具有良好的藝術素養和創新能力，吸收國外先進的數字媒體新理念和新技術，從而適應數字化技術對藝術設計人才的需求。

3.課程設計。這一專業的課程設置上，從藝術和技術兩方面開設。藝術設計的課程如藝術欣賞理論、建筑藝術欣賞、工藝美術欣賞、雕塑藝術欣賞、繪畫藝術欣賞、書法藝術欣賞、音樂藝術欣賞、舞蹈藝術欣賞、戲劇藝術欣賞、戲曲藝術欣賞、攝影藝術欣賞、電影藝術欣賞、服裝表演藝術欣賞、動畫作品的欣賞、網頁設計的欣賞、室內設計的鑒賞、景觀設計鑒賞、展示設計鑒賞等課程。

計算機方面課程如現代藝術設計原理、應用計算機輔助圖形圖像處理、視頻合成、動畫制作、影像編輯、音響技術、互動技術、二維、三維多媒體創意設計。

數字技術課程如造型設計、數字表現設計、網絡媒體設計、數字娛樂設計、數字插畫藝術。

創新設計系列課程——創新設計、數字媒體創意思維訓練、數字媒體專題。

4.教學手段：這是數字媒體藝術教學的最主要環節。

教法分析：

第一，課程體系以學期或者學年為單元進行課程整合，進而形成階梯式系列循環教學對課程設計中的課程進行系統的學習，對數字媒體藝術專業有了一整套系統的理論研究。

第二，展示案例，激發學生的創作興趣，再提出明確可行的任務，并引導學生分析任務，提出設計題目，然后讓學生充分發揮藝術的想象，并輔助技術，進而心中有數，做出理想的藝術品。電影中數字化影像藝術的運用更能讓學生有直觀的感受，人們在欣賞電影時，已經不是停留在過去那種對單純的故事情節的關注上，電影中色彩、光影、音樂、音響、畫面、造型的細節更為人所重視。一部大片問世，人們總會評價電影的藝術性和欣賞性，畫面色彩、光影、畫面等的運用是否到位。一代人有一代人的審美感受，一代人有一代人的影像風格，數字媒體藝術為不同的導演群體提供了新的創作手段。

第三，總結數字媒體藝術運用的合理性。無論是動畫還是刊物的設計，抑或是電影，都開始把數字化影像運用其中，使其擺脫了傳統的固定的黑白單一模式，尤其是電影，一組組快速變化的畫面，各種場景的氛圍幾乎都可以看到藝術的韻味和數字化技法的運用。從一個個場景的變換到演員的服飾，處處都滲透出數字媒體藝術的痕跡，很多場景中，表現人物心情常常通過周邊環境的移動和色彩的變換來體現，更多時候，一部電影中寫實和寫意的創作手法用數字化技術體現。其實，我們在電影中能看到的現實中難以實現的理想或者場景，是數字媒體藝術在電影中最佳的詮釋。

第四，給學生布置作業，學生自己選擇題材，自己進行創意。制作復雜的特技效果，并讓學生根據自身藝術的領悟和對數字化技術的熟練掌握設計作品，使學生達到最大限度的自由發揮。這種教學實驗需要三四年時間課程的教學，也是學生在大學四年或者研究生在高校度過的時間，不是一蹴而就能達到的。

三、數字媒體藝術創作的不足與對策

數字媒體藝術在國內已經取得了長足的發展，成為當今我國教育工作者一個重要的研究課題。然而，比起其他科目，數字媒體藝術這一專業仍舊不太完善、不太成熟。筆者在實際教學過程中，對其在發展中出現的問題進行了總結，并提供一些有針對性的建議和對策。

（一）數字媒體藝術創作的不足

第一，數字媒體藝術在國內還處于初期階段，缺乏一整套有序系統的理論研究。眾所周知，任何一門成熟學科的教學都是因為其在教學過程中具有自身的規律與方法，然而數字媒體藝術教學在國內卻是缺失的一環，在教學理論體系中沒有應有的研究熱情和氛圍，導致國內大、專院校數字媒體藝術創作教學專業理論知識缺乏。

第二，數字媒體藝術學科中，藝術與技術之間還有一定的不對稱，學校教育要么欠缺對學生藝術素質的培養，要么忽略了對計算機技術的重視。一方面，在國內教育體制中，在數字媒體藝術課程設置上，欠缺對學生藝術素質的培養成為各大、專院校普遍存在的問題，學生的藝術素養參差不齊，過多地重視和強調技術層面，只會使這一學科限于呆板化和程式化，很難滿足市場對數字媒體藝術創作專業人才的需求。這就是因為利用計算機的技術功能被提到了很高的地位，對數字藝術的工具應用能力占據主要部分，使得這一學科的教育停留在技術培養的表層上，學生設計出來的作品缺少藝術的表現，看起來更像一種技術產品而非藝術品。另一方面，有些大、專院校在體現數字媒體藝術創作教育的課程設置上，很多時候排斥計算機的技術優勢，認為數字媒體藝術僅僅是另一種藝術的載體，注重學生藝術素質的培養，而對數字媒體的技術完全茫然無知。純粹的表現藝術或者對純粹的關注電腦、影像的技術，兩者割裂使得數字化影像藝術創作理論研究無法適應時展的需要。

第三，很多大、專院校缺乏雄厚的師資力量。國外數字媒體藝術正高度發展的時候，國內的數字化教育體系處于滯后封閉狀態。當國外的數字媒體處于成熟期時，國內的數字媒體藝術教育推廣剛剛起步，其現有的技術與理念難以與國際接軌，雖然有些高校有意識培養這一學科的師資力量，選送一批教師到國外接受數字媒體藝術學科的先進理念和方法，但這畢竟只是個例，大部分教師隊伍還是缺乏對數字媒體藝術創作的方法和觀念的理解，直接影響了國內數字媒體藝術創作專業學生的專業素質和整體水平。

第四，數字媒體藝術觀念的滯后和創意的缺乏也是其問題所在。國內各大、專院校的這一專業還停留在早期的計算機輔助設計或者是電腦繪圖的初始階段，很多人根本不了解計算機繪圖、電腦美術和數字媒體藝術設計的區別，表現出對數字媒體藝術專業知識的貧乏和膚淺，對這一專業的觀念沒有跟上目前日新月異的發展。而同時，人們對創意的理解也僅僅局限在對計算機以及軟件是否用得精到。更多的創意主要是抄襲外國的一些刊物、畫冊甚至是他們在電影、電視中數字媒體藝術的運用，脫離了自身的實際狀況，往往起到了相反的效果。

（二）數字媒體藝術創作的應對措施

1.面對數字媒體藝術專業的不足，筆者認為最重要的是追本溯源，應加強和重視教師隊伍建設。教師隊伍在教學體系中占據絕對的主導地位，對學生授業解惑，教師的專業素質和專業水準與學生的學習質量息息相關。國家應考慮對數字媒體專業的資金投入，以此確保對教師整體素質和專業知識的培養，所以教師有足夠的專業素質和過硬的專業知識是提高數字媒體藝術創作教育質量的有效方法。相關的教育機構制定一系列的培訓計劃，比如和國外某些擅長數字媒體藝術專業的高校建立合作關系，定期輸送一批教師去深造；同時也要定期開展培訓，為教師專業素質的提高搭建良好的平臺。

2.數字化技術與藝術兩者相輔相成。數字媒體藝術創作不僅僅是單方面藝術或者技術，而是藝術和技術的完美結合。數字媒體藝術專業課程中，數字技術與藝術修養對于培養出優秀的數字媒體藝術創作專業人才缺一不可，這一專業的佼佼者需要能將數字化技術與藝術修養兩者實現和諧統一。

3.數字媒體藝術不僅僅是在課堂上，更要以市場和社會需求為導向，要重視根據市場需求培養復合型人才，而實行高校與企業的合作是行之有效的措施。很多時候，高校培養出來的人才很難適應社會和市場對數字媒體藝術創作專業人才的要求，那么我們應該意識到高校培養與市場需求之間的銜接問題，所以學校應當深入市場，以市場需求和學生就業為導向，與企業合作進行產學結合的教學模式，培養適應社會需求的復合型人才。這樣的雙向培養，一方面能使學生在實際工作中意識到自身的不足；另一方面通過在學校的理論知識，結合市場的需求，能較快地適應這一領域在社會上的實際功用，從而實現高校與企業的雙贏，最后能快速填補市場對數字媒體藝術創作人才的迫切需求。

參考文獻：

[1]尹定邦.設計學概論[M].長沙：湖南科學技術出版社，1999.

[2]彭吉象.藝術學概論[M].北京：北京大學出版社，2002.

[3]孫冬梅，紀濤.淺析當代數字藝術教育發展前景[A] 數字影像傳播研究，數字藝術理論體系構建及其人才培養模式研究，文章編號：1674—9324（2012）07—0119—02

[4]凌繼堯，徐恒醇.藝術設計學[M].上海：上海人民出版社，2000.

[5]夏進軍.數字化設計藝術審美探析[D]武漢：武漢理工大學，2006.

[6]張曉艷.CG環境下的中國影視教育[J].電影評介，2009（14）.

[7]梅格斯.20世紀視覺傳達設計史[M].柴常佩，譯.武漢：湖北美術出版社，1989.

[8]索曉玲.動畫影片畫面賞析[M].北京：北京廣播學院出版社，2003.

[9]徐軍強.論審美意象的基本特征[J].浙江師范大學學報（社會科學版），1997（4）.

[10]章利國.現代設計美學[M].鄭州：河南美術出版社，1999.

篇8

【關鍵詞】創作；構思；直覺

1綜述

攝影最初是作為一門科學技術誕生，比繪畫更快更真實的記錄著每一件事，隨著科學技術的進步攝影不論是設備器材上的突飛猛進攝影技術也是日益精進。逐漸的被許多藝術家用于表達藝術作品，藝術創作過程的特殊表達手段，透過攝影可以看到很多藝術創作都是那一瞬間產生的，對美的理解都是獨一無二的但絕大多數都能產生社會共鳴。但攝影的兩個品性—作為證據和作為藝術—分別為達蓋爾和塔爾博特實踐著，藝術與科學的區別也是達蓋爾銀版攝影法與塔爾博特碘化銀紙攝影法之間的差異;前者直接呈現正像，且效果清晰、精確、明亮，所以具有科學品質；后者是負像，需要轉換成正像，因此會減少一些細節，或變得模糊，可這種品質正式魅力之所在，對藝術家來說妙不可言，美不勝收。正如達蓋爾和塔爾博特的不同遭遇（達蓋爾是他那個時代的寵兒，而作為真正現代攝影法奠基人的塔爾博特卻沒有得到應有的重視），這兩種不同的攝影術似乎也暗示出攝影前后截然相反的命運[1]。

2藝術直覺與藝術構思對攝影創作的影響

2．1藝術是攝影創作過程中的特殊體現藝術作品作為一種精神產品，攝影是通過藝術表達的其中一種方式反映出更多人接受的主觀意識，把生活中的點滴精華用藝術的作品呈現出來。2.1.1攝影家的藝術直覺與構思是偶然性和必然性的辯證統一在攝影藝術創作過程中，偶然性與必然性是統一的，在審美的意識形態中兩者相互存在。我就是因為看了電影《貓女》后，結合自己所看過的一些書籍，網絡上的一些圖片，再加上一些生活上的創作靈感想出這次的畢業創作，但是在拍攝過程中增加了個人的思想，并且每次拍攝都有不同的感受，不斷的改變光的效果，構圖上的多元化，以此來達到自己所想要的美感，更突出自己的創作目的。2.1.2攝影家的藝術直覺與構思是感性認識和理性認識的統一在攝影創作活動過程中,作者通過體會美，創造美用攝影的方式去展現藝術這一過程是沒有經過反復推敲、深思熟慮后做出的，而是那一瞬間對美的理解。我在看《貓女》這部電影的時候最開始是被他的故事情節所吸引，一個充滿傳奇的故事。看完電影后，我在網上收集了很多與電影有關的資料及圖片，了解了很多拍攝現場的準備工作，看到了更多的花絮照片。從拍攝方面看，無論是電影的構圖還是色調，都深深的吸引了我，啟發了我這次畢業創作的整體構思。在創作過程中只能懵懂的感受到美，真正研究和總結形式美的還是在后期，需要經過反復的去琢磨、推敲才能發現不一樣的美。我在初步拍攝完畢后，對畫面還存在很多的不滿，所有的意識形態并沒有完全詮釋出我所想表達的。感受和理解兩者相互融合最終達到統一。2．2在攝影創作中藝術直覺與藝術構思起著關鍵作用“美”是有規律可循,攝影家除了要發現美還要創造美，在平常的生活中去發現特殊的美,在這過程中藝術直覺起著關鍵性的作用。2.2.1攝影藝術對美的發現和理解攝影藝術是對現實生活用審美的方式結合藝術直覺而產生的。攝影藝術是造型藝術的一種。美是意識的內在,美感是意識對于美的感受,而審美的對象一般都是生活中的具體事物。美學是一門藝術學科它僅僅在于研究美的意識機制,而并不在于美究竟是屬于哪個區域。由于每個人都會有不同主觀意識對美的觀察，所以美是因人而異的,對于“美”的理解是不同的。攝影藝術語言作為獨立的藝術門類而單獨存在的基礎,它包括兩方面記錄性和瞬間性。藝術直覺在發現美的過程中起著關鍵作用。攝影藝術是造型藝術的其中一種,對美的理解很重要的。2.2.2捕捉瞬間形象的能力，攝影藝術起著主導作用攝影創作過程中，捕捉事物的瞬間能力至關重要。新聞攝影是最能體現這個過程的藝術，它主要凸顯的是時效性和真實性[2]。瞬息萬變的生活會有萬千變化，想要留住其中一些精彩瞬間需要有獨特的造型藝術通過攝影的方式記錄下來。時效性就是在事情發生的瞬間把他拍攝下來，然后通過媒介把他傳輸出去；真實性就是所有被記錄下來的藝術瞬間都是真是存在的，不是通過后期加工而成的，展現了我們對真理的追求。但是，很多精彩的瞬間，攝影者往往沒有精心準備。這時的拍攝活動很少帶有比較完整、系統的對藝術的思考，一切都是靠經驗以及對美的慣性思維。

3結語

文章以攝影與藝術的關系為主題，包容了對藝術直覺與藝術構思對攝影創作的影響的闡述，并圍繞這一點分析了攝影作品中攝影創作的藝術構思，藝術直覺在攝影創作中的表現形式，藝術直覺對攝影創作起著決定性作用這三方面。最后得出結論“攝影創作中的藝術構思貫穿于攝影創作的全過程，同時攝影中還應把握中心環節。在攝影藝術活動創作過程中，內心領悟和藝術感覺的形成，不僅和生活積淀、藝術積淀有密不可分的關系，與技巧積淀也有著緊密的聯系。許多美感頓生的直覺，往往是由于受到美的事物以及直接技巧經驗引發而產生的”[3]。

【參考文獻】

［1］殷宗偉．試論藝術直覺與攝影創作的關系[J].濰坊學院學報,2006.

［2］楊健.新聞攝影的藝術化趨勢解讀———以近年荷賽獲獎作品為考察對象[J].浙江傳媒學院學報,2012(04).

篇9

【關鍵詞】聲樂演唱 二度創作

在聲樂表演藝術領域中，任何聲樂作品都必須通過二度創作來表現其審美價值。聲樂演唱的二度創作就是對創作者一度創作成果的再創造，它賦予了音樂作品鮮活的生命力，充分體現出音樂作品豐富的內涵與意境。二度創作是決定演唱成敗與質量高低的重要因素之一。因此，在演唱聲樂作品時，我們要充分了解二度創作的內涵，并認真投入地對作品進行藝術的二度創作，這樣才能全面展現聲樂藝術的獨特魅力，塑造出生動完美的藝術形象，從而賦予音樂作品嶄新的藝術生命，更好地來表現聲樂藝術二度創作的審美價值。

一、二度創作的本質與特征

聲樂演唱中二度創作的過程，實際上是把聲樂作品的藝術創作從精神表現向物質表現進行轉化的過程。聲樂作品的一度創作僅僅是停留在歌譜上的精神表現，因此，只有經過演唱者的藝術實踐創造才能使其轉化為欣賞者的聽覺可以感受到的物質表現。所以，在進行二度創作的過程中，其意義不僅在于對一度創作的準確的表達和再現，更是在一度創作的基礎上，通過表演者對聲樂作品的深刻理解和準確分析，將樂譜符號轉化為聽覺音響，運用特有的藝術表現手法創造性的詮釋再現樂譜中生動的樂思，賦予音樂作品新的生命及嶄新的藝術形象。完美的二度創作在再現原作的基礎上，通過富于創造性的表演形式，可以探索音樂作品更深層次的內在含義和意境，對一度創作予以補充和豐富，使作品煥發出新的光彩和生命力。

從聲樂演唱中二度創作的本質看，忠實地再現原作與表演者的再創造，始終是它的基本特征，詞曲作者在聲樂作品的創作中，雖然通過特定的技術手段和音樂的專業術語，將聲樂作品需要表現的內容以音符的形式固定在樂譜上，但都不能完整詳細地記錄聲樂表演中內在的細致變化，以及音響內在律動的聲腔和情感表達的微妙變化，因此，僅僅是規范地再現原作是無法獲得好的藝術效果的，而只有通過表演者的二度創作，在規范再現原作的基礎上，對音樂作品給予新的解釋和藝術處理，使原作的思想內涵和審美傾向以及情感表現體現得更加充分，使原作的精華和內在的生命力得到更加鮮明和全面的展示，才能使音樂作品煥發出新的光彩。

二、二度創作的前提與基礎

在聲樂演唱藝術中，演唱者作為二度創作的主體，要想完美地創造和表現音樂作品，就需要具備良好的文化修養與藝術修養，這是進行二度創作的基礎。掌握廣博的文化基礎知識和深厚的文化底蘊，對于提高自身對音樂作品準確、深刻的感悟和理解，更好地領會詞曲作者的創作意圖、思想內涵和情感表達，都有著極為重要的作用。為此，演唱者要不斷提高文化素質修養，充實和積累相關的文化知識，同時從相關姊妹藝術中汲取養分，豐富自己的生活閱歷，建立合理的知識結構，這樣才能在藝術創作上形成自己的藝術風格與個性。

聲樂演唱是一項復雜的創造性活動，它要求歌唱者除了具備全面的文化修養，還要具備扎實的藝術修養，具有良好的音樂素質與音樂理論知識，就可以從理性的角度去把握聲樂作品，從作品的結構入手深入研究其基本特征，對調式、旋律、節奏、節拍以及作品內部細微變化特點等各個方面進行全面準確地研究與分析。所以，演唱者具備全面的文化修養和良好的藝術綜合素質可以更加準確地把握和詮釋作品。

三、二度創作的原則與保證

聲樂演唱中的二度創作，它的藝術創造內容與藝術表現以及創作形式與風格等，都有著自身的藝術特征與規律。聲樂教育家石惟正在他的著作《聲樂學基礎》中曾講：“二度創作不是任意、自由、無限制的，它有一個原則和范圍。這個原則和范圍也就是一度創作和二度創作之間維系一種辯證、統一關系的紐帶。”因此，在聲樂演唱的過程中，一定要遵循二度創作的基本原則。

首先，要規范地按照音樂作品的基本內容與思想內涵進行二度創作，要全面了解樂譜中詞曲作者的創作意圖和創作的時代背景，甚至是詞曲作者創作時的意識和思想形態。在尊重原作的基礎上加強主題的藝術感染力，初步達到對音樂作品本身的真實再現，同時在再現原作的基礎上要充分發揮演唱者的創造性，使規范性與創造性實現結合與統一。這樣二度創作才會達到理想的藝術效果。

其次，要尊重一度創作的時代背景和民族、歷史風格等。所有藝術創作都產生于特定的歷史時代，也必然會受到傳統風格的限制及其背景的影響，音樂作品也會隨著創作者的內心感受而表達時代的精神和思想，同時具有較強的民族特色和地域風格。因此，我們強調二度創作是表現時代精神和思想的藝術實踐，它必須在尊重一度創作的前提下，從歷史背景、時代風格等方面把握作品的特點。以當代人的審美意識，發現作品中新的元素，以新的時代風貌對音樂作品加以擴充與豐富，從而使得音樂作品具有嶄新的活力和長久的藝術魅力。

再次，演唱的技術技巧是進行二度創作必不可少的原則和保證。演唱者在進行二度創作時，不管對作品的理解和分析多么深入，情感表達多么準確，如果沒有掌握科學的發聲方法和扎實的歌唱技術，都無法將聲樂作品的思想內容和藝術內涵生動、完美地表現出來。鋼琴大師霍夫曼曾說過：“藝術上的自由需要有充分地運用技巧的能力?！币虼?，只有把扎實的歌唱技術技巧融合到深刻的藝術表現中，在二度創作時才能更加自由，才能給人以美的享受，展現動人心弦的精神內涵。所以，聲樂演唱中掌握的歌唱的技術技巧和表達手法還要根據聲樂作品所表現的內容、風格特點等方面的不同，以及聲樂作品表現所需要的，給以恰當和準確的運用，更好地發揮歌唱的藝術表現力。這樣，聲樂演唱中的二度創作才能真正實現自身的價值，才能創造出優秀的藝術作品。

綜上所述，通過對聲樂演唱中的二度創作內涵的探析，可以更加深刻、準確地表現聲樂作品內在的藝術魅力，并且還能將聲樂作品的思想內涵和情感表達得更加完美，使作品的藝術再創造具有較強的感染力，使歌唱者的個人表演風格體現得更鮮明。

參考文獻：

[1]張前，王次炤.音樂美學基礎（第一版）[M].北京：人民音樂出版社，1992.

[2]霍夫曼.論鋼琴演奏[M].北京：人民音樂出版社，1984.

[3]亨利·伍德，章彥. 亨利·伍德論指揮[M].北京：人民音樂出版社，1984.

[4]羅小平.音樂表演再創造的美學原則[J].音樂研究，1986（2）.

[5]索菲婭·麗薩，于潤洋.論音樂理解[J].音樂研究，1988（2）（3）.

篇10

【關鍵詞】油畫；藝術創作；素描；作用

一、素描的概述

素描分為廣義與狹義兩種，廣義的素描指所有單色的繪畫，狹義上的素描特指用于學習美術技巧、探索造型規律、培養專業習慣的繪畫基礎。素描只需要用鉛筆、鋼筆等以線條來畫出物象的明暗，無需加入色彩，是一種最簡單最基本的繪畫形式。

二、油畫藝術創作中的素描作用及影響

對于油畫藝術的創作而言，素描是其繪畫創作的最基礎的表現形式，作畫者可以通過素描將自己想要表達的東西繪制出來，只有把素描的基礎打牢，才能創造出極具鑒賞價值的油畫作品。

（一）線條的作用

線條是素描的基礎，作畫者可以通過線條將所要表現的物體繪制出來。油畫的創作需要基于各樣式的線條和造型加上各種顏色的調和填補來完成，線條對于油畫的創作是最基本的要求，反映著油畫創作者對所要表現的物品的整體形象的理解與把握。在創作過程中，作畫者可以通過素描的線條運用對所描繪對象的整體性、構圖、形體等做出展現，來勾勒出物體的基本的完整形態，從而完成油畫的起稿。能否恰當的運用好線條，直接影響著油畫作品的表現力與感染力，也影響著油畫作品的真實感與藝術神韻，決定了作畫者能否將心中所想順利表達出來。所以，沒有線條的勾畫基礎就更談不上色彩的調和與應用，一幅油畫若沒有一個好的素描構造做基礎，就無法成為一幅成功的油畫作品。

（二）對油畫創作空間塑造的作用

素描對油畫創作中的空間塑造具有非常重要的作用。在油畫的創作中，需要依托素描的手法，通過對三維立體空間的塑造來強化畫面的立體感，通過運用素描藝術的明暗關系、線面關系、結構關系、虛實關系等技法，完成具有立體空間特征的素描草稿，并在這種空間里表現出客觀物體。素描可以通過線條將現實空間中的三維立體物品轉化為畫布上的二維的表現形式，作畫者可以通過素描的手法用線條將物品表現出來，運用素描的繪畫手法，通過明暗關系增強畫面立體感，通過線條手法運用虛實、機構關系將事物的遠近描繪出來，令作品表現出很強的立體感，塑造出強烈的立體空間，最后配合色彩的調和，來完成一幅優秀的油畫作品。

（三）素描對油畫藝術創作的影響

素描對油畫藝術創作有著重要影響，素描的水平和風格也將直接影響到油畫的質量和風格。具體來說，素描雖油畫藝術的創作主要有以下兩方面的影響：第一，素描水平對油畫藝術創作水平有著重要影響。每一幅成功的油畫作品首先要有一個好的素描稿為基礎，較高的素描水平可以幫助作畫者在油畫藝術的創作中達到更高的藝術成就。因此，古往今來，越是優秀的油畫家越是注重提升素描水平，以求最大化的發揮素描在油畫創作中的積極作用，同時避免因為素描水平不佳而影響到整幅油畫作品的創作與完成。不是所有擅長素描的畫家都擅長油畫創作，但一個優秀的油畫作家一定具有較高的素描水平。第二，素描風格對油畫藝術創作水平有著直接影響。許多油畫大師的油畫風格與其素描風格有著很多相似之處，具有較高的一致性。如達•芬奇，他在油畫的創作中比較重視構圖的完整性與莊重性，而不太注重色彩的表現，而在繪畫技法的運用上，又比較擅長運用素描中的明暗關系，故其創作的作品能夠對物體做到準確簡練的描繪，有著強烈的真實性與視覺沖擊力。對于不同的油畫大師，對于油畫的創作也有著不同的表達理念和變現手法，也正是因為如此，造就了油畫史上多樣化的藝術風格。同時，作畫者的素描風格和油畫創作風格也并非長久一成不變的，隨著對藝術的不斷認知和自己技法的提升，無論是素描風格還是油畫風格都會產生相應的變化，這也是同一個畫家在不同時期作品呈現出不同風格的原因。

三、總結

綜上所述，素描對于油畫的藝術創作具有不可忽視的重要影響，許多優秀的油畫大家同時也是非常優秀的素描大師，素描作為油畫作品創作中的一個重要的環節，對于油畫學習者來說，無論是在學習的過程中還是創作的過程中，都應該對素描藝術的作用于影響更加的重視，通過提升自身的素描水平來提高油畫創作的水平與質量，創作出優秀的極具鑒賞價值的油畫用品。

參考文獻：

[1]曹應秋.論素描在寫實油畫創作中的作用[J].青春歲月，2013,(17):116.

[2]包胡其圖.簡論油畫創作中素描的作用[J].現代交際，2012,(11):89.